La escenografía se compone de todos los elementos visuales que conforman una escenificación, sean corpóreos (decorado, accesorios), la iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería); ya sea la escenificación destinada a representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos. El escenógrafo es el encargado de estos diseños y decorados.
El objetivo de la escenografía es transmitir con imágenes lo que se pretende contar.
Cualquier actividad que se realice a fin de ser observada puede ser considerada un espectáculo. En él se utilizar artificios que complementan la comunicación, el mensaje artístico.
El espectáculo posee dos factores principales:
1.La persona o personas encargadas de realizar el espectáculo.
2.El espectador.
Además, podemos distinguir diferentes tipos de puestas en escena:
1. Representaciones en vivo (teatro, danza, óperas...)
2. Representaciones cinematográficas, audovisuales...
En cualquier espectáculo hay detrás un director que dirige a un gran equipo y que es fundamental, ya que gracias a él la información llega al espectador de manera más clara y concisa.
Estos espectáculos y escenografías han mejorado muchísimo a lo largo del tiempo, gracias a la aparición de nuevas tecnologías.
Anteriormente se utilizaban velas para la iluminación, pólvora para los efectos especiales, las personas tiraban de cuerdas para conseguir el movimiento del decorado o los personajes... En cambio, actualmente las nuevas tecnologías han permitido tener más y mejores efectos especiales; entre ellos fundamentales las luces, que ayudan a que la puesta en escena sea mucho más impresionante.
En este espectáculo de danza podemos observar todo lo mencionado anteriormente: https://www.youtube.com/watch?v=R6WoxOHThII
jueves, 28 de mayo de 2015
miércoles, 27 de mayo de 2015
La música en España a finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. La generación del 98 y la música. La generación del 27. La música escénica. Ópera y zarzuela.
LA MÚSICA EN ESPAÑA A FINALES DEL XIX Y LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX.
Hasta 1850 nuestra música está en grave decadencia, asfixiada por la influencia italianizante. A partir de esta época hay una reacción castiza contra lo extranjero:
1. Se pretende la creación de un teatro lírico auténticamente español: Fracasa la ópera española, pero hay enormes aciertos en un género menor en principio, la zarzuela.
2. Se intenta esclarecer nuestro pasado musical, totalmente ignorado: Se escribe la primera historia de la música española y se publican algunas obras de nuestros polifonistas religiosos o profanos.
Pero la sociedad española, que no ha recibido una buena educación musical
desprecia lo que ignora y no facilita un arte nacional. A pesar de que España está de moda en el romanticismo europeo y en sus novelas (Carmen de Merimee, Carmen de Bizet…), España se incorpora tardíamente al romanticismo europeo; no hay buena música sinfónica. También fueron escasas las manifestaciones en cuanto a instrumentos aislados o música de cámara.
LA GENERACIÓN DEL 98 Y LA MÚSICA.
La generación del 98 supone en España una toma de posición crítica y nacionalista. El hombre que consigue dotar a la música española de un verdadero sentido nacional es el catalán Pedrell, estudioso del canto popular y de nuestro pasado histórico. Infatigable escritor, compositor y polemista, su célebre manifiesto “por nuestra música “, hizo posible la música española de la primera mitad del siglo XX.
Como los hombres de la generación del 98, con él la música española ahondaba en nuestra esencia nacional.Y muy pronto España aparecieron tres compositores muy destacados: Albeniz, Granados y Falla.
LA GENERACIÓN DEL 27.
También llamada generación de la República. Estas denominaciones han sido hechas a posteriori, pues no hubo, en general, conciencia de tal generación.
El tema andaluz, que desde el romanticismo era consustancial con lo español, es prácticamente agotado con Falla y su generación; va a ser abandonado progresivamente a favor de manifestaciones de otras regiones españolas como el País Vasco: Guridi (Amaya, El Caserío). Pero hay cierta preponderancia de lo mediterráneo en el foco valentino-catalán. Destacan compositores como:
Turina, sevillano, es el único de la generación de Falla que puede resistir cierta comparación, siempre dentro de límites muy locales (La Procesión del Rocío, Canto a Sevilla).
Los Halffter. Ernesto es el continuador de la obra de Falla, dedicó gran parte de su vida a la terminación de la Atlántida. Sus obras más conocidas son el ballet Sonatina y la canción La corza blanca, de impresionante belleza. Rodolfo, su hermano, busca un camino más independiente, que en su exilio mexicano le llega a conducir hasta el atonalismo (Sonatas de El Escorial). Forma parte de una generación, la de la República, que la guerra civil destroza y que aún hoy desconocemos en gran parte, lamentablemente
Rodrigo, valenciano, es el autor favorito de la posguerra. Un neoclasicismo castizo le inspira El Concierto de Aranjuez, para guitarra y orquesta. Autor de conciertos para diversos instrumentos y de deliciosas y decimonónicas canciones.
Ciertos compositores fueron desligándose poco a poco del mero nacionalismo a lo Pedrell y preconizaron una modernización del lenguaje. La guerra civil, el exilio de muchos, la muerte de Falla en el extranjero…significó una ruptura indudable en la evolución de la música española.
LA MÚSICA ESCÉNICA, ÓPERA Y ZARZUELA.
Hasta 1850 nuestra música está en grave decadencia, asfixiada por la influencia italianizante. A partir de esta época hay una reacción castiza contra lo extranjero:
1. Se pretende la creación de un teatro lírico auténticamente español: Fracasa la ópera española, pero hay enormes aciertos en un género menor en principio, la zarzuela.
2. Se intenta esclarecer nuestro pasado musical, totalmente ignorado: Se escribe la primera historia de la música española y se publican algunas obras de nuestros polifonistas religiosos o profanos.
Pero la sociedad española, que no ha recibido una buena educación musical
desprecia lo que ignora y no facilita un arte nacional. A pesar de que España está de moda en el romanticismo europeo y en sus novelas (Carmen de Merimee, Carmen de Bizet…), España se incorpora tardíamente al romanticismo europeo; no hay buena música sinfónica. También fueron escasas las manifestaciones en cuanto a instrumentos aislados o música de cámara.
LA GENERACIÓN DEL 98 Y LA MÚSICA.
La generación del 98 supone en España una toma de posición crítica y nacionalista. El hombre que consigue dotar a la música española de un verdadero sentido nacional es el catalán Pedrell, estudioso del canto popular y de nuestro pasado histórico. Infatigable escritor, compositor y polemista, su célebre manifiesto “por nuestra música “, hizo posible la música española de la primera mitad del siglo XX.
Como los hombres de la generación del 98, con él la música española ahondaba en nuestra esencia nacional.Y muy pronto España aparecieron tres compositores muy destacados: Albeniz, Granados y Falla.
LA GENERACIÓN DEL 27.
También llamada generación de la República. Estas denominaciones han sido hechas a posteriori, pues no hubo, en general, conciencia de tal generación.
El tema andaluz, que desde el romanticismo era consustancial con lo español, es prácticamente agotado con Falla y su generación; va a ser abandonado progresivamente a favor de manifestaciones de otras regiones españolas como el País Vasco: Guridi (Amaya, El Caserío). Pero hay cierta preponderancia de lo mediterráneo en el foco valentino-catalán. Destacan compositores como:
Turina, sevillano, es el único de la generación de Falla que puede resistir cierta comparación, siempre dentro de límites muy locales (La Procesión del Rocío, Canto a Sevilla).
Los Halffter. Ernesto es el continuador de la obra de Falla, dedicó gran parte de su vida a la terminación de la Atlántida. Sus obras más conocidas son el ballet Sonatina y la canción La corza blanca, de impresionante belleza. Rodolfo, su hermano, busca un camino más independiente, que en su exilio mexicano le llega a conducir hasta el atonalismo (Sonatas de El Escorial). Forma parte de una generación, la de la República, que la guerra civil destroza y que aún hoy desconocemos en gran parte, lamentablemente
Rodrigo, valenciano, es el autor favorito de la posguerra. Un neoclasicismo castizo le inspira El Concierto de Aranjuez, para guitarra y orquesta. Autor de conciertos para diversos instrumentos y de deliciosas y decimonónicas canciones.
Ciertos compositores fueron desligándose poco a poco del mero nacionalismo a lo Pedrell y preconizaron una modernización del lenguaje. La guerra civil, el exilio de muchos, la muerte de Falla en el extranjero…significó una ruptura indudable en la evolución de la música española.
LA MÚSICA ESCÉNICA, ÓPERA Y ZARZUELA.
A pesar del intento de creación de un teatro lírico nacional, la ópera española fracasa. Nuestra burguesía obliga a los compositores a escribir óperas en italiano, y sólo permite el cultivo de la zarzuela.
La zarzuela es una especie de teatro ligero, sin grandes pretensiones literarias, y en el cual lo nacionales resuelve mediante la alusión folklórica. La zarzuela grande cae con frecuencia en la estructura de la ópera italiana. Se alternan partes habladas y partes cantadas.
Destacan piezas como El sombrero de tres picos, de Falla; en composición de la orquesta reúne las maderas en grupos de a dos, con flautín y corno inglés, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones y tuba, arpa, celesta, piano, timbales, percusión y cuerdas. Los instrumentos se integrarán poco a poco en la acción.
Otra pieza destacada de este mismo autor es Concerto. En el tercer movimiento el clave plantea el tema principal, con la melodía De los álamos, y se configura mediante cánones, algunos contrapunteos y búsquedas semejantes.
La importancia de la música cinematográfica, publicitaria y de ambientación. La danza en el cine.
MÚSICA CINEMATOGRÁFICA.
Actualmente la música del cine está considerada como una industria propia. Esta industria ha sufrido una gran evolución desde las películas mudas y en blanco y negro.
Al principio se utilizaban distintos métodos:
1. Se ponían detrás de las cámaras y hacían ruidos.
2. Vitáfono: nuevo método inventado por Graham Bell que consistía en grabar la melodía en un disco y la película en otro, y después reproducirlos a la vez. Ejemplo: don Juan (primera película con banda sonora)
3. Photophone: consistía en transmitir la voz utilizando la luz, y fue inventado por el mismo que el vitáfono, Graham Bell.
Algunos de los compositores más destacados en música de cine son Jhon Williams (Tiburón y Star Wars, entre otras) y Ennio Morricone (La misión, entre otras)
Jhon Williams utiliza un método que consiste en modificar la intensidad y la velocidad para generar tensión e incluso miedo en sus piezas.
MÚSICA PUBLICITARIA.
Dentro de la música publicitaria lo más destacado es son los spots publicitarios. Casi todos estos tienen música, y no vale cualquiera, buscan incitar una emoción, pretenden que escuches la canción y la relaciones con el producto correspondiente. Hay varios tipos de música publicitaria.
1. Música de librería: consiste en coger una canción ya compuesta y ponerla en el anuncio directamente, tal y como es.
2. Música corporativa o jingles: consiste en componer una canción de corta duración que se pueda memorizar fácilmente. Un ejemplo de este tipo de música sería la que aparece en el anuncio de la marca Nocilla.
MÚSICA DE AMBIENTACIÓN.
La música de ambientación es aquella que se utiliza en los ascensores, tiendas, oficinas, centros comerciales o lugares similares, para ambientar el lugar, y en el caso de las tiendas, la usan en muchos casos con tácticas de marketing para incitar a comprar ciertos productos.
LA DANZA EN EL CINE.
Gracias a la danza en el cine se pueden expresar los estados de ánimo de los personajes, por lo tanto era utilizada con frecuencia en el cine mudo. Después, cuando nació el cine sonoro Al Jolson fue el primer actor en hablar y cantar en una película (El cantante de jazz)
Destaca Gene Kelly, un actor, cantante, bailarín, director y coreógrafo estadounidense.
También destaca Fellini, un director de cine y guionista italiano.
Es universalmente considerado como uno de los principales protagonistas en la historia del cine mundial. Ganador de cuatro premios Óscar por mejor película extranjera, en 1993 fue galardonado con un Óscar honorífico por su carrera.
Las primeras rupturas: Impresionismo, expresionismo y atonalidad libre.
IMPRESIONISMO.
Tras el Romanticismo, las respuestas a las sugestiones creadas por este movimiento fueron muy variadas. Unos asumen sus postulados de libertad fusionándolos con el despertar de los nacionalismos. Otros, reconociendo las novedades del lenguaje musical, se opusieron totalmente a sus posturas ideológicas: lo impresionistas y modernistas.
En Francia, con el establecimiento de la III República se produce una evolución económica que lleva a la imputación de un sistema capitalista. Surge cierto sentimiento de peligro originado en las crisis que se suceden ininterrumpidamente. Los continuos avances en todos los campos parecen responder al espíritu de crisis, al tiempo que provocan continuos cambios en las modas y en los criterios estéticos.
Con el impresionismo se quiere aprender la verdad de las cosas en su ambiente, reflejando las vibraciones sutiles que la cambiante luminosidad provoca a cada momento en los cuerpos. La supremacía de la luz sobre la materia se advierte en el abandono de las lineas netas y definidas .
Hablar de música impresionista es algo un tanto equivoco ya que el impresionismo es un movimiento pictórico y aplicar esto a la música puede suponer un riesgo de prejuicio. Sí podemos encontrar coincidencias al hablar de la finalidad perseguida por esta estética, al margen de los procedimientos de los que se valen cada rama artistica. La música y la pintura buscan igualmente la plasmación de lo fugaz. Se busca la sensación y la sugestión, la primera mediante combinaciones armónicas insólitas y la segunda a base de un gran cuidado en la instrumentación y en los efectos tímbricos.
La sugestión tímbrica, que constituye uno de los rasgos mas característicos del impresionismo, enlaza la música impresionista con el simbolismo literario. A finales del siglo XIX hubo una serie de músicos que convivieron con pintores impresionistas y poetas simbolistas por ello crearon una música asentada sobre picncipios nuevos, la música impresionista. El más directo antecedente es Gabriel Fauré que influirá tanto en Debussy como en Ravel.
EXPRESIONISMO Y ATONALIDAD LIBRE.
Sacudidos por acontecimiento de importancia mundial y testigos de un vertiginoso desarrollo científico y técnico, los artistas del siglo XX se ven obligados a buscar una forma de plasmar su visión personal de lo que les rodea y que el público pueda comprenderlo. El arte refleja fielmente la situación de cambio y en crisis a través de la rotura de la unidad artística que se conocía en los periodos anteriores. Se abandona el realismo, deja de copiar la naturaleza y comienza a crear realidades propias. Hacia 1911 se fragua en Alemania un nuevo estilo, el expresionismo, volcado hacia la interpretación subjetiva de la realidad, hacia la expresión abstracta del mundo interior del espíritu, prescindiendo de los datos de la realidad objetiva y creando obras de intensas connotaciones musicales.
En la música se fragua una revolución musical que es, por otra parte, completamente coherente debido a la situación a que se había llegado en las nuevas vías para el lenguaje musical con Debussy y otras compositores. Hay muchas tendencias de ruptura, Stravinsky fue uno de los compositores más importantes pero el que destruyó meticulosamente el gran soporte que, por encima de todo, había sostenido la música europea desde hacia tres siglos, el que rompió con la tonalidad fue Schonberg.
El expresionismo artístico aglutinó a un amplio sector de artistas alemanes en torne al grupo “Der blaue Reiter” unidos en la búsqueda de la superación de su propio capacidad expresiva para representar en forma mas absoluta su mundo interior.
Schoeberg renunció a la tonalidad como principio constructivo y poco a poco su obra se va orientando hacia la disolución completa de la relaciones tonales. Más tarde Schonberg abandona el sistema tonal, que con su jerarquia de sonidos había presidido la música europea desde finales del Renacimiento. Durante un tiempo recurrió a escribir música para poemas y depender de los textos para que la formaran y la articularan la música. Hasta que formó el dodecafónico.
Las primeras obras no tonales de Schoenberg se adscriben dentro del llamado “atonalismo libre”.
Podemos destacar piezas como 'Preludio a la siesta de un fauno', de Debussy, o Bolero, de Ravel.
En la primera de ellas el compositor utiliza una libertad formal y puntos de referencia para que el que escucha su música no se pierda. La textura es una melodía acompañada que va a ir moviéndose entre los instrumentos de la orquesta, en los que predomina el viento.
La pieza de Ravel podemos detacar que empieza con percusión, algo completamente nuevo en la época. La percusión realiza un acompañamiento igual en toda la obra, sin variaciones.
Tras el Romanticismo, las respuestas a las sugestiones creadas por este movimiento fueron muy variadas. Unos asumen sus postulados de libertad fusionándolos con el despertar de los nacionalismos. Otros, reconociendo las novedades del lenguaje musical, se opusieron totalmente a sus posturas ideológicas: lo impresionistas y modernistas.
En Francia, con el establecimiento de la III República se produce una evolución económica que lleva a la imputación de un sistema capitalista. Surge cierto sentimiento de peligro originado en las crisis que se suceden ininterrumpidamente. Los continuos avances en todos los campos parecen responder al espíritu de crisis, al tiempo que provocan continuos cambios en las modas y en los criterios estéticos.
Con el impresionismo se quiere aprender la verdad de las cosas en su ambiente, reflejando las vibraciones sutiles que la cambiante luminosidad provoca a cada momento en los cuerpos. La supremacía de la luz sobre la materia se advierte en el abandono de las lineas netas y definidas .
Hablar de música impresionista es algo un tanto equivoco ya que el impresionismo es un movimiento pictórico y aplicar esto a la música puede suponer un riesgo de prejuicio. Sí podemos encontrar coincidencias al hablar de la finalidad perseguida por esta estética, al margen de los procedimientos de los que se valen cada rama artistica. La música y la pintura buscan igualmente la plasmación de lo fugaz. Se busca la sensación y la sugestión, la primera mediante combinaciones armónicas insólitas y la segunda a base de un gran cuidado en la instrumentación y en los efectos tímbricos.
La sugestión tímbrica, que constituye uno de los rasgos mas característicos del impresionismo, enlaza la música impresionista con el simbolismo literario. A finales del siglo XIX hubo una serie de músicos que convivieron con pintores impresionistas y poetas simbolistas por ello crearon una música asentada sobre picncipios nuevos, la música impresionista. El más directo antecedente es Gabriel Fauré que influirá tanto en Debussy como en Ravel.
EXPRESIONISMO Y ATONALIDAD LIBRE.
Sacudidos por acontecimiento de importancia mundial y testigos de un vertiginoso desarrollo científico y técnico, los artistas del siglo XX se ven obligados a buscar una forma de plasmar su visión personal de lo que les rodea y que el público pueda comprenderlo. El arte refleja fielmente la situación de cambio y en crisis a través de la rotura de la unidad artística que se conocía en los periodos anteriores. Se abandona el realismo, deja de copiar la naturaleza y comienza a crear realidades propias. Hacia 1911 se fragua en Alemania un nuevo estilo, el expresionismo, volcado hacia la interpretación subjetiva de la realidad, hacia la expresión abstracta del mundo interior del espíritu, prescindiendo de los datos de la realidad objetiva y creando obras de intensas connotaciones musicales.
En la música se fragua una revolución musical que es, por otra parte, completamente coherente debido a la situación a que se había llegado en las nuevas vías para el lenguaje musical con Debussy y otras compositores. Hay muchas tendencias de ruptura, Stravinsky fue uno de los compositores más importantes pero el que destruyó meticulosamente el gran soporte que, por encima de todo, había sostenido la música europea desde hacia tres siglos, el que rompió con la tonalidad fue Schonberg.
El expresionismo artístico aglutinó a un amplio sector de artistas alemanes en torne al grupo “Der blaue Reiter” unidos en la búsqueda de la superación de su propio capacidad expresiva para representar en forma mas absoluta su mundo interior.
Schoeberg renunció a la tonalidad como principio constructivo y poco a poco su obra se va orientando hacia la disolución completa de la relaciones tonales. Más tarde Schonberg abandona el sistema tonal, que con su jerarquia de sonidos había presidido la música europea desde finales del Renacimiento. Durante un tiempo recurrió a escribir música para poemas y depender de los textos para que la formaran y la articularan la música. Hasta que formó el dodecafónico.
Las primeras obras no tonales de Schoenberg se adscriben dentro del llamado “atonalismo libre”.
Podemos destacar piezas como 'Preludio a la siesta de un fauno', de Debussy, o Bolero, de Ravel.
En la primera de ellas el compositor utiliza una libertad formal y puntos de referencia para que el que escucha su música no se pierda. La textura es una melodía acompañada que va a ir moviéndose entre los instrumentos de la orquesta, en los que predomina el viento.
La pieza de Ravel podemos detacar que empieza con percusión, algo completamente nuevo en la época. La percusión realiza un acompañamiento igual en toda la obra, sin variaciones.
martes, 26 de mayo de 2015
La música y danza popular moderna: Pop, Rock.
La música popular comprende un conjunto de géneros musicales que resultan atractivos para el gran público y que generalmente son distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la música. Es una música que tiene un carácter internacional.
Danza moderna.
Expresión corporal artística que nace de la interpretación y visión del bailarín o coreógrafo. Este tipo de danza rompe con el ballet clásico.
La danza moderna surge en un ambiente de cambios drásticos. Los bailarines, tanto en Europa como en Estados Unidos, comenzaron a experimentar con nuevas formas de danza que no respondían a ninguna regla establecida.
El pop.
El pop empezó en Inglaterra durante el siglo XX en la década de los 60. Es un género musical que utiliza la instrumentación y tecnología para su creación. Modo sencillo, pegadizo y melódico.
Destaca Michael Jackson; conocido como el 'Rey del Pop', sus contribuciones a la música y el baile, así como su publicitada vida personal, le convirtieron en una figura internacional en la cultura popular durante más de cuatro décadas, siendo reconocido como la estrella de la música pop más exitosa a nivel mundial.
También destaca el grupo 'The Beatles', una banda de rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista).
Una de sus piezas más destacadas es Let it be. La canción comienza con una breve introducción en piano a la cual se suman las voces. Este sencillo arreglo ayuda a que se preste mayor atención a la lírica que al acompañamiento. Let It Be cuenta con un breve intermedio musical donde luce mucho el solo de la guitarra y el acompañamiento de los demás instrumentos, el piano que figuraba a un inicio ha desaparecido casi por completo.
El rock.
El rock es un género musical que surge en Estados Unidos en la década de los 50, que evolucionó hacia una variedad de estilos a partir de la década siguiente. Su forma originaria rock and roll proviene de una combinación de rhythm and blues y contry.
Destaca Elvis Presley,un cantante y actor estadounidense y de los más populares del siglo XX, considerado como un icono cultural. Se hace referencia a él frecuentemente como 'el Rey del rock and roll' o simplemente 'el Rey'. Una de sus piezas más destacadas es Rock de la cárcel, una canción muy pegadiza y con una melodía clara, rápida y repetitiva.
Danza moderna.
Expresión corporal artística que nace de la interpretación y visión del bailarín o coreógrafo. Este tipo de danza rompe con el ballet clásico.
La danza moderna surge en un ambiente de cambios drásticos. Los bailarines, tanto en Europa como en Estados Unidos, comenzaron a experimentar con nuevas formas de danza que no respondían a ninguna regla establecida.
El pop.
El pop empezó en Inglaterra durante el siglo XX en la década de los 60. Es un género musical que utiliza la instrumentación y tecnología para su creación. Modo sencillo, pegadizo y melódico.
Destaca Michael Jackson; conocido como el 'Rey del Pop', sus contribuciones a la música y el baile, así como su publicitada vida personal, le convirtieron en una figura internacional en la cultura popular durante más de cuatro décadas, siendo reconocido como la estrella de la música pop más exitosa a nivel mundial.
También destaca el grupo 'The Beatles', una banda de rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista).
Una de sus piezas más destacadas es Let it be. La canción comienza con una breve introducción en piano a la cual se suman las voces. Este sencillo arreglo ayuda a que se preste mayor atención a la lírica que al acompañamiento. Let It Be cuenta con un breve intermedio musical donde luce mucho el solo de la guitarra y el acompañamiento de los demás instrumentos, el piano que figuraba a un inicio ha desaparecido casi por completo.
El rock.
El rock es un género musical que surge en Estados Unidos en la década de los 50, que evolucionó hacia una variedad de estilos a partir de la década siguiente. Su forma originaria rock and roll proviene de una combinación de rhythm and blues y contry.
Destaca Elvis Presley,un cantante y actor estadounidense y de los más populares del siglo XX, considerado como un icono cultural. Se hace referencia a él frecuentemente como 'el Rey del rock and roll' o simplemente 'el Rey'. Una de sus piezas más destacadas es Rock de la cárcel, una canción muy pegadiza y con una melodía clara, rápida y repetitiva.
Los cambios en el lenguaje musical.
Tras el Romanticismo se produce una revalorización de las cualidades del sonido (duración, altura, intensidad y timbre)
Dentro de estas cualidades destacan las variaciones que se producen en la altura, ya que en el siglo XIX se utilizaba para hacer las melodías y esto era lo más importante, mientras que en el siglo XX las eliminan, lo cual causa un gran impacto en el público. Los músicos comienzas a buscar sonidos nuevos, y se obsesionan con encontrar sonidos nunca escuchados antes, los cuales no podamos identificar con nada.
Este es un tema general que incluye varios otros: el impresionismo y el expresionismo, el dodecafonismo, la música utilitaria, el serialimo y el postserialimo.
El primero en romper con la tonalidad fue Shoenberg, reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas.
En el impresionismo las características principales fueron la libertad absoluta armónica y ritmicamente (respetando unos parámetros previamente fijados, pero manipulables en cualquier momento) y la experimentación fueron las dos características principales de este movimiento.
Stravinsky destaca en el impresionismo, un movimiento en el que se expresa la situación de cambio y en crisis, la realidad desde un punto subjetivo.
En la música utilitaria mencionamos a Hindemilh, considerado como uno de los compositores más influyentes de la primera mitad del siglo XX.
El serialismo es una técnica de composición musical surgida en el siglo XX. Tiene sus orígenes en el dodecafonismo de Arnold Schönberg, aunque abarca posibilidades creativas más amplias. Y por último, el postserialismo es la continuación de este movimiento.
Podemos destacar piezas como 'Preludio a la siesta de un fauno', de Debussy, o Bolero, de Ravel.
En la primera de ellas el compositor utiliza una libertad formal y puntos de referencia para que el que escucha su música no se pierda. La textura es una melodía acompañada que va a ir moviéndose entre los instrumentos de la orquesta, en los que predomina el viento.
La pieza de Ravel podemos detacar que empieza con percusión, algo completamente nuevo en la época. La percusión realiza un acompañamiento igual en toda la obra, sin variaciones.
Podemos destacar otra pieza de Bartók 'Música para cuerda, percusión y celesta. La celesta es un instrumento musical de percusión, con la apariencia de un pequeño piano vertical.
En esta obra la melodía se presenta y se va estructurando en varios bloques. La intensidad es uno de los parámetros más importantes, ya que va aumentando a lo largo de la obra, hasta que llega a su parte culminante. Además Bartók mezcla muchas texturas diferentes, algo típico en la música contemporánea.
Dentro de estas cualidades destacan las variaciones que se producen en la altura, ya que en el siglo XIX se utilizaba para hacer las melodías y esto era lo más importante, mientras que en el siglo XX las eliminan, lo cual causa un gran impacto en el público. Los músicos comienzas a buscar sonidos nuevos, y se obsesionan con encontrar sonidos nunca escuchados antes, los cuales no podamos identificar con nada.
Este es un tema general que incluye varios otros: el impresionismo y el expresionismo, el dodecafonismo, la música utilitaria, el serialimo y el postserialimo.
El primero en romper con la tonalidad fue Shoenberg, reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas.
En el impresionismo las características principales fueron la libertad absoluta armónica y ritmicamente (respetando unos parámetros previamente fijados, pero manipulables en cualquier momento) y la experimentación fueron las dos características principales de este movimiento.
Stravinsky destaca en el impresionismo, un movimiento en el que se expresa la situación de cambio y en crisis, la realidad desde un punto subjetivo.
En la música utilitaria mencionamos a Hindemilh, considerado como uno de los compositores más influyentes de la primera mitad del siglo XX.
El serialismo es una técnica de composición musical surgida en el siglo XX. Tiene sus orígenes en el dodecafonismo de Arnold Schönberg, aunque abarca posibilidades creativas más amplias. Y por último, el postserialismo es la continuación de este movimiento.
Podemos destacar piezas como 'Preludio a la siesta de un fauno', de Debussy, o Bolero, de Ravel.
En la primera de ellas el compositor utiliza una libertad formal y puntos de referencia para que el que escucha su música no se pierda. La textura es una melodía acompañada que va a ir moviéndose entre los instrumentos de la orquesta, en los que predomina el viento.
La pieza de Ravel podemos detacar que empieza con percusión, algo completamente nuevo en la época. La percusión realiza un acompañamiento igual en toda la obra, sin variaciones.
Podemos destacar otra pieza de Bartók 'Música para cuerda, percusión y celesta. La celesta es un instrumento musical de percusión, con la apariencia de un pequeño piano vertical.
En esta obra la melodía se presenta y se va estructurando en varios bloques. La intensidad es uno de los parámetros más importantes, ya que va aumentando a lo largo de la obra, hasta que llega a su parte culminante. Además Bartók mezcla muchas texturas diferentes, algo típico en la música contemporánea.
viernes, 22 de mayo de 2015
Los nuevos instrumentos y la tecnología aplicada a la música.
A principios del siglo XX los músicos pedían un avance cualitativo, ya que consideraban necesario incorporar nuevos timbres a la planta orquestal.
Con el desarrollo de la electrónica el compositor pudo grabar, manipular y reproducir sonidos con fines compositivos. A mediados del siglo XX muchos compositores comenzaron a utilizar en sus obras sonidos y ruidos grabados del medio ambiente.
La aparición de aparatos como el sontetizador, marcaron toda una época en el desarrollo de esta música. Recientemente el ordenador ha supuesto una revolución en todos los aspectos. Todas estas técnicas permiten controlar con precisión las cualidades del sonido (duración, altura, intensidad y timbre)
Destaca la pieza 'Oktophonie', compuesta por Stockhausen (https://www.youtube.com/watch?v=ePBB-NO8vKg). La música de Oktophonie consta de ocho capas musicales, cada una provista de diferentes distribuciones espaciales y patrones de movimiento de sonido.
Karlheinz Stockhausen nació en Mödrath el veintidós de agosto de 1928 y murió en Kürten-Kettenberg el cinco de diciembre de 2007. Fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.
Es conocido por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en música electroacústica, música aleatoria y composición serial.
Con el desarrollo de la electrónica el compositor pudo grabar, manipular y reproducir sonidos con fines compositivos. A mediados del siglo XX muchos compositores comenzaron a utilizar en sus obras sonidos y ruidos grabados del medio ambiente.
La aparición de aparatos como el sontetizador, marcaron toda una época en el desarrollo de esta música. Recientemente el ordenador ha supuesto una revolución en todos los aspectos. Todas estas técnicas permiten controlar con precisión las cualidades del sonido (duración, altura, intensidad y timbre)
Destaca la pieza 'Oktophonie', compuesta por Stockhausen (https://www.youtube.com/watch?v=ePBB-NO8vKg). La música de Oktophonie consta de ocho capas musicales, cada una provista de diferentes distribuciones espaciales y patrones de movimiento de sonido.
Karlheinz Stockhausen nació en Mödrath el veintidós de agosto de 1928 y murió en Kürten-Kettenberg el cinco de diciembre de 2007. Fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.
Es conocido por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en música electroacústica, música aleatoria y composición serial.
La música de vanguardia española: La generación del 51.
Por generación del 51 se conoce al grupo de compositores nacido entre 1924 y 1938, que definió en España la modernidad en el campo de la música, tras la estética nacionalista de principios de siglo. Centrados en Madrid y Barcelona, aquel movimiento tuvo en cierto mimetismo con la plástica. Efectivamente, a partir de 1948 proliferaron los grupos de pintura, Salones de los Once, Academia Breve de Crítica de Arte, Grupo Pórtico, Dau al Set, Escuela de Altamira, Escuela de Vallecas, Escuela de Madrid, El Paso, etc.; y los primeros movimientos musicales (como el círculo Manuel de Falla o Juventudes Musicales) surgieron desde la vorágine de creación de grupos plásticos.
Algunos de los compositores más destacados son los siguientes:
Juan Hidalgo: de origen canario, fue discípulo de John Cage. Es miembro de un grupo llamado Zaj, grupo musical de vanguardia español, creado en el año 1964 por los compositores españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce (creador del sistema de niveles) y por el compositor italiano Walter Marchetti. Aunque se barajó la teoría de que su nombre se debe a la inversión de la palabra jazz, en realidad Zaj supone la combinación de tres fonemas característicos del castellano.
Carmelo Bernaola: evolucionó del atonalismo y serialismo hasta los años setenta que crea su propio lenguaje. Una de sus piezas más destacadas es 'Fantasías'.
Luis de Pablo: fue un autodidacta que hacía obras de gran originalidad, entre las cuales destaca 'Chamber Concerto'.
Cristóbal Halttler: fue el director del conservatorio de Madrid.
Algunos de los compositores más destacados son los siguientes:
Juan Hidalgo: de origen canario, fue discípulo de John Cage. Es miembro de un grupo llamado Zaj, grupo musical de vanguardia español, creado en el año 1964 por los compositores españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce (creador del sistema de niveles) y por el compositor italiano Walter Marchetti. Aunque se barajó la teoría de que su nombre se debe a la inversión de la palabra jazz, en realidad Zaj supone la combinación de tres fonemas característicos del castellano.
Carmelo Bernaola: evolucionó del atonalismo y serialismo hasta los años setenta que crea su propio lenguaje. Una de sus piezas más destacadas es 'Fantasías'.
Luis de Pablo: fue un autodidacta que hacía obras de gran originalidad, entre las cuales destaca 'Chamber Concerto'.
Cristóbal Halttler: fue el director del conservatorio de Madrid.
Postserialismo: Indeterminación y aleatoriedad. Nuevas grafías musicales.
El serialismo es una técnica de composición musical surgida en el siglo XX. Tiene sus orígenes en el dodecafonismo de Arnold Schönberg, aunque abarca posibilidades creativas más amplias.La distinción fundamental entre el serialismo y el dodecafonismo estriba en que el principio serial se puede aplicar a varios parámetros musicales (ritmo, dinámica, timbre, etc.), y no sólo a la altura de las notas, como sugería la propuesta dodecafónica original. El postserialismo es la continuación de este movimiento.
En Italia lo llevó a cabo Luigui Dallapicola, un importante compositor y pianista italiano. Fue el primer compositor italiano, a finales de los 1930, en abrazar la dodecafonía. Sus composiciones se caracterizan por un intenso lirismo y unos profundos contenidos espirituales e idealistas.
En Inglaterra lo llevó a cabo Edwar Elgar, autor de estilo romántico que siguió la linea de Brahms y Britten.
El serialismo se llevó a cabo con cosas que antes no eran muy utilizadas y por lo tanto no era aceptado por el público. Estaba evolucionando en distintas direcciones con composiciones muy personales.
Otro compositor destacado fue Lutosvlasky, que fue uno de los compositores europeos más importantes del siglo XX. Posiblemente es el compositor polaco más importante después de Chopin, y fue el músico más eminente de su país en las tres últimas décadas del siglo. En vida obtuvo una gran cantidad de premios internacionales, incluyendo el Orden del Águila Blanca, el honor más alto de Polonia.
De las nuevas tendencias tres fueron las principales: música electrónica, indeterminación aleatoria (casi todo depende de secciones en las que se pude emplear la improvisación) y especulación matemática.
Destacan piezas como 'Symphony nº3', de Lutosvlasky o 'Repertorie aus Staatstheater' de Mauricio Kagel.
En Italia lo llevó a cabo Luigui Dallapicola, un importante compositor y pianista italiano. Fue el primer compositor italiano, a finales de los 1930, en abrazar la dodecafonía. Sus composiciones se caracterizan por un intenso lirismo y unos profundos contenidos espirituales e idealistas.
En Inglaterra lo llevó a cabo Edwar Elgar, autor de estilo romántico que siguió la linea de Brahms y Britten.
El serialismo se llevó a cabo con cosas que antes no eran muy utilizadas y por lo tanto no era aceptado por el público. Estaba evolucionando en distintas direcciones con composiciones muy personales.
Otro compositor destacado fue Lutosvlasky, que fue uno de los compositores europeos más importantes del siglo XX. Posiblemente es el compositor polaco más importante después de Chopin, y fue el músico más eminente de su país en las tres últimas décadas del siglo. En vida obtuvo una gran cantidad de premios internacionales, incluyendo el Orden del Águila Blanca, el honor más alto de Polonia.
De las nuevas tendencias tres fueron las principales: música electrónica, indeterminación aleatoria (casi todo depende de secciones en las que se pude emplear la improvisación) y especulación matemática.
Destacan piezas como 'Symphony nº3', de Lutosvlasky o 'Repertorie aus Staatstheater' de Mauricio Kagel.
Música electroacústica y música concreta.
La música electroacústica surge como una forma de música clásica durante su época moderna como consecuencia de la incorporación de la producción de sonido eléctrico como parte de la composición musical. Los primeros desarrollos de la composición de música electroacústica durante el siglo XX están asociados con la actividad de compositores que trabajaban en estudios de investigación en Europa y Estados Unidos.
Se puede definir de dos maneras principalmente: la primera; el término "música electroacústica" designa todo tipo de música en la cual la electricidad tiene un rol que va más allá de la amplificación y la producción de esta música, y la segunda; todo lo que utiliza la conversión de una señal acústica en una señal eléctrica y viceversa.
Destacan Sockhausen y Steve Reich. Una de las piezas más destacadas del último es 'Music for 18 musicians' https://www.youtube.com/watch?v=gCkd46hcRag)
Karlheinz Stockhausen nació el veintidós de agosto de 1928 y murió el cinco de diciembre de 2007. Fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.
Stephen Michael Reich nació Nueva York el tres de octubre de 1936. Es un compositor estadounidense. Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass.
Una de sus piezas más destacadas es la llamada 'Hymnen'.
Los fundamentos teóricos y estéticos de la música concreta fueron hechos por Pierre Schaeffer. Está ligada a la aparición de dispositivos que permitieron tratar los sonidos de manera separada y manipulándolos.
Schaeffer fue un compositor y teórico francés, reconocido como el originador de la música concreta. Realizó 'Cinco estudios sobre ruidos'.
Se puede definir de dos maneras principalmente: la primera; el término "música electroacústica" designa todo tipo de música en la cual la electricidad tiene un rol que va más allá de la amplificación y la producción de esta música, y la segunda; todo lo que utiliza la conversión de una señal acústica en una señal eléctrica y viceversa.
Destacan Sockhausen y Steve Reich. Una de las piezas más destacadas del último es 'Music for 18 musicians' https://www.youtube.com/watch?v=gCkd46hcRag)
Karlheinz Stockhausen nació el veintidós de agosto de 1928 y murió el cinco de diciembre de 2007. Fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.
Stephen Michael Reich nació Nueva York el tres de octubre de 1936. Es un compositor estadounidense. Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass.
Una de sus piezas más destacadas es la llamada 'Hymnen'.
Los fundamentos teóricos y estéticos de la música concreta fueron hechos por Pierre Schaeffer. Está ligada a la aparición de dispositivos que permitieron tratar los sonidos de manera separada y manipulándolos.
Schaeffer fue un compositor y teórico francés, reconocido como el originador de la música concreta. Realizó 'Cinco estudios sobre ruidos'.
El serialismo integral en Europa.
El serialismo integral surgió a mediados del siglo XX. Representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creado por Anton Weber. El serialismo integral establece un orden para la sucesión de los sonidos a partir de diferentes cualidades del sonido, creando series que deben respetarse a lo largo de la obra.La técnica se ha llamado serialismo integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo.
Esta técnica supuso uno de los avances más radicales del siglo XX; incluye parte del atonalismo pero es un sistema ordenado.
Destacan compositores como Stockhausen y Oliver Messiaen.
Karlheinz Stockhausen nació el veintidós de agosto de 1928 y murió el cinco de diciembre de 2007. Fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.
Es conocido por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en música electroacústica, música aleatoria y composición serial.
Olivier Messiaen nació el diez de diciembre de 1908 y murió el veintisiete de abril de 1992. Fue un compositor, organista y ornitólogo francés. Ingresó en el Conservatorio de París a la edad de once años, y tuvo como profesores a Paul Dukas, Marcel Dupré, Maurice Emmanuel y Charles-Marie Widor. Fue designado organista en la Iglesia de la Santa Trinidad de París en 1931, puesto que ocupó hasta su muerte.
La música de Messiaen es rítmicamente compleja (él estaba interesado en los ritmos de la antigua Grecia y de orígenes hindúes), y se basa armónica y melódicamente en los modos de transposición limitada, que fueron una innovación propia de Messiaen. Muchas de sus composiciones representan lo que él llamó «los aspectos maravillosos de la fe», mostrando su inquebrantable catolicismo.
Messiaen estaba fascinado por el «canto de los pájaros»; decía que los pájaros eran los mejores músicos y se consideraba a sí mismo tanto ornitólogo como compositor. Transcribía el canto de los pájaros en sus viajes por todo el mundo, e incorporó las transcripciones de estos cantos en gran parte de su música.
Esta técnica supuso uno de los avances más radicales del siglo XX; incluye parte del atonalismo pero es un sistema ordenado.
Destacan compositores como Stockhausen y Oliver Messiaen.
Karlheinz Stockhausen nació el veintidós de agosto de 1928 y murió el cinco de diciembre de 2007. Fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.
Es conocido por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en música electroacústica, música aleatoria y composición serial.
Olivier Messiaen nació el diez de diciembre de 1908 y murió el veintisiete de abril de 1992. Fue un compositor, organista y ornitólogo francés. Ingresó en el Conservatorio de París a la edad de once años, y tuvo como profesores a Paul Dukas, Marcel Dupré, Maurice Emmanuel y Charles-Marie Widor. Fue designado organista en la Iglesia de la Santa Trinidad de París en 1931, puesto que ocupó hasta su muerte.
La música de Messiaen es rítmicamente compleja (él estaba interesado en los ritmos de la antigua Grecia y de orígenes hindúes), y se basa armónica y melódicamente en los modos de transposición limitada, que fueron una innovación propia de Messiaen. Muchas de sus composiciones representan lo que él llamó «los aspectos maravillosos de la fe», mostrando su inquebrantable catolicismo.
Messiaen estaba fascinado por el «canto de los pájaros»; decía que los pájaros eran los mejores músicos y se consideraba a sí mismo tanto ornitólogo como compositor. Transcribía el canto de los pájaros en sus viajes por todo el mundo, e incorporó las transcripciones de estos cantos en gran parte de su música.
La música utilitaria.
Gebrauchsmusik es un término alemán, que esencialmente significa "música utilitaria", que se utiliza para la música que existe no sólo por sí misma, sino que fue compuesta con alguna finalidad específica, identificable. Este propósito puede ser un acontecimiento histórico particular, como un acto político o de una ceremonia militar, o puede ser más general, como con la música escrita para acompañar la danza o la música escrita para ser interpretada por aficionados o estudiantes.
El compositor Paul Hindemith es probablemente la figura más identificada con esta expresión, que parece haber sido acuñada, no en el ámbito de la composición sino en el de la musicología. La trayectoria de este compositor puede dividirse en dos etapas.
Características de la primera etapa de Hindemith:
-Atonalidad ocasional.
-Investigación rítmica.
-Uso de tonalidad y politonalidad con carácter burlesco.
Características de la segunda etapa de Hindemith:
-Tonal pero no diatónica.
-Modulación.
-Doce notas de la escala cromática.
Dentro de la música contemporánea, esta es la más fácil de escuchar.
Destaca una composición de Paul Hindemith, llamada Pioner Musiktag (https://www.youtube.com/watch?v=YR-JnB5goc4) compuesta para un campamento de niños.
El compositor Paul Hindemith es probablemente la figura más identificada con esta expresión, que parece haber sido acuñada, no en el ámbito de la composición sino en el de la musicología. La trayectoria de este compositor puede dividirse en dos etapas.
Características de la primera etapa de Hindemith:
-Atonalidad ocasional.
-Investigación rítmica.
-Uso de tonalidad y politonalidad con carácter burlesco.
Características de la segunda etapa de Hindemith:
-Tonal pero no diatónica.
-Modulación.
-Doce notas de la escala cromática.
Dentro de la música contemporánea, esta es la más fácil de escuchar.
Destaca una composición de Paul Hindemith, llamada Pioner Musiktag (https://www.youtube.com/watch?v=YR-JnB5goc4) compuesta para un campamento de niños.
El dodecafonismo.
El dodecafonismo o música Dodecafónica, que significa música de doce tonos, es una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las doce notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que no establece jerarquía entre las notas. La música tradicional y popular actual suele ser tonal, y por lo tanto tener una nota de mayor importancia, respecto a la cual gravita una obra. Cualquier sistema tonal implica que unas notas se utilizan mucho más que otras en una melodía. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica, Schonberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra. Históricamente, procede de manera directa del "atonalismo libre", y surge de la necesidad que había a principios del siglo XX de organizar coherentemente las nuevas posibilidades de la música y enfocarla a nuevas sensibilidades emergentes.
Schonberg escribió durante algún tiempo en secreto porque la música que componía no era aceptada por el público de la época, hasta crear el esquema dodecafónico. Quería demostrar que el nuevo sistema era útil y lo plasmó en una obra llamada 'variaciones para la orquesta'.
Tras la muerte de Schomberg surgieron dos figuras importantes en torno a éste: Weber y Berg.
Berg escribió Wozzeck entre 1917 y 1921, obra que supuso un gran choque para el público de la época.
La serie dodecafonista se basaba en las viejas técnicas de contrapunto.
Tipos de series:
-Básica.
-Retrograda (se leía al revés; la primera nota era la última y la última la primera)
-Inversa (los mismos tonos pero cambiando de descendencia ascendencia o viceversa)
-Inversa retrograda.
Dentro del dodecafonismo destacan piezas como Pierrot lunaire, de Schomberg (https://www.youtube.com/watch?v=veUJxETj7-c). Pierrot Lunaire es una obra llena de contradicciones: los instrumentistas, por ejemplo, son solistas y parte de la orquesta a la vez; Pierrot es héroe y tonto, actúa en un drama que es también una pieza de concierto, hace parecer el cabaret como un arte elevado y viceversa; utiliza canciones que son también discursos; su rol masculino es cantado por una mujer que alterna entre la primera y tercera persona.
Schonberg escribió durante algún tiempo en secreto porque la música que componía no era aceptada por el público de la época, hasta crear el esquema dodecafónico. Quería demostrar que el nuevo sistema era útil y lo plasmó en una obra llamada 'variaciones para la orquesta'.
Tras la muerte de Schomberg surgieron dos figuras importantes en torno a éste: Weber y Berg.
Berg escribió Wozzeck entre 1917 y 1921, obra que supuso un gran choque para el público de la época.
La serie dodecafonista se basaba en las viejas técnicas de contrapunto.
Tipos de series:
-Básica.
-Retrograda (se leía al revés; la primera nota era la última y la última la primera)
-Inversa (los mismos tonos pero cambiando de descendencia ascendencia o viceversa)
-Inversa retrograda.
Dentro del dodecafonismo destacan piezas como Pierrot lunaire, de Schomberg (https://www.youtube.com/watch?v=veUJxETj7-c). Pierrot Lunaire es una obra llena de contradicciones: los instrumentistas, por ejemplo, son solistas y parte de la orquesta a la vez; Pierrot es héroe y tonto, actúa en un drama que es también una pieza de concierto, hace parecer el cabaret como un arte elevado y viceversa; utiliza canciones que son también discursos; su rol masculino es cantado por una mujer que alterna entre la primera y tercera persona.
Teatro musical europeo y americano a comienzos del siglo XX. Origen y desarrollo de la música de jazz.
TEATRO MUSICAL EUROPEO Y AMERICANO A COMIENZOS DEL SIGLO XX.
El teatro musical es una forma de teatro que combina
canciones, diálogos hablados, actuación y baile. La historia y el contenido
emocional de la pieza se comunican a través de las palabras, la música, el
movimiento y los aspectos técnicos de la animación como en un todo integrado.
Este género renació como se conoce hoy en día en la Europa
del siglo XIX como una variante de la
opereta, aunque en los diferentes países europeos existía teatro musical con
diferentes estilos: zarzuela, género chico y comedia musical en España, ópera
cómica y music hall en Inglaterra u operette en Francia. Mucho después, durante
la primera mitad del siglo XX, se desarrolló en Estados Unidos, país donde ha
registrado el máximo desarrollo.
Desde este siglo, el teatro musical y las obras escénicas en
general han sido llamados, simplemente, los musicales.
-Años veinte.
Los musicales de los años veinte tendían a acentuar a las
estrellas, a las grandes rutinas de bailes y canciones populares y no así al argumento.
Muchos de los espectáculos eran revistas o sucesiones de sketches y canciones
con poca o ninguna conexión entre ellos.
Típicas de la década fueron producciones ligeras como Sally;
Lady Be Good o Sunny, entre otras. Pese a que los libretos de estos
espectáculos careciesen de consistencia, permitieron el lucimiento de estrellas
como Marilyn Miller y Fred Astaire, y generaron decenas de canciones populares
que pasaron a la historia del musical.
Más allá de estos musicales y las operetas sentimentales de
la década, Show Boat, estrenada en Nueva York, supuso un punto de inflexión al
integrar plenamente música y libreto, narrando la historia a través de las
canciones.
-Años treinta.
La Gran Depresión afectó al público teatral tanto europeo
como americano, ya que la gente tenía poco dinero para gastar en
entretenimiento. Sólo unos cuantos espectáculos superaron una permanencia en
Broadway o en Londres de 500 representaciones durante la década.
Destacan espectáculos como Of Thee I Sing (sátira política,
primer musical galardonado con el Premio Pulitzer) y As Thousands Cheer (primer
espectáculo de Broadway en el que una persona afroamericana fue protagonista
junto a actores blancos)
A pesar de los problemas económicos de esta época y la
competencia del cine, el género musical sobrevivió. De hecho, el teatro musical
comenzaba a evolucionar más allá de los coristas musicales de décadas
anteriores y el romance sentimental del género de la opereta.
ORIGEN Y DESARROLLO DE LA MÚSICA
DE JAZZ.
El jazz tiene sus orígenes en las canciones de trabajo de
los esclavos negros de los Estados Unidos y en los cantos colectivos de
carácter religioso. Su fórmula más característica de expresión era el blues,
una composición de doce compases repartidos en tres frases de cuatro compases
cada una.
La interpretación del jazz está fundamentada en la
improvisación, ya que de nada hubiera servido escribir con precisión lo que
cada cual debía tocar, ya que no sabían leer música.
Un aspecto esencial de la música de jazz es el ritmo, protagonista
permanente junto con el swing, que consiste en todo un conjunto de factores
psicológicos, ambientales, de ritmo, de fraseo, de velocidad…, que, en suma,
distingue a las bunas interpretaciones.
Hacia 1870 apareció el rag-time, característico de la
imitación que los blancos hicieron de la original música popular negra, que
alcanzó un extraordinario éxito en América y Europa durante las primeras
décadas del siglo XX.
Los músicos negros se ganaban la vida de maneras diversas
como, por ejemplo, formando pequeñas bandas que recorrían las calles
acompañando los entierros hasta el cementerio.
El jazz se fue perfilando como una mezcla de elementos
característicos del África negra y
fórmulas e instrumentos propios de la cultura musical europea; todo ello
matizado por la dura situación social del negro de América.
A principios del siglo XX se formaron en Nueva Orleans lo
que propiamente puede llamarse ya los primeros conjuntos de jazz. A principios
de los cuarenta el jazz ya es un fenómeno aceptado y escuchado por cada vez más
amplios sectores.
Destaca Miles Davis; fue un trompetista y compositor estadounidense
de jazz; se trata de una de las figuras más relevantes e influyentes de la
historia del jazz, junto con artistas como Louis Armstrong o John Coltrane. Su
carrera se caracterizó por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos
artísticos.
So What es un tema especial, por su conocidísimo riff
inicial de contrabajo, su armonía modal y su estructura AABA de treinta y dos
compases.
miércoles, 29 de abril de 2015
¿Cómo estudio?
-Resúmenes de los temas a desarrollar, más los conceptos básicos y los autores.
-Libro de texto para consultar dudas.
-Hoja del tema correspondiente para saber en qué página se encuentra cada cosa.
-Audiciones del tema en reproducción para saber identificarlas.
Mussorgski: Una noche en el monte pelado.
Musorgski nació el veintiuno de marzo de 1839 y murió en San Petersburgo el veintiocho de marzo de 1881. Fue un compositor ruso, integrante del grupo de Los Cinco. Entre sus obras destacan la ópera Borís Godunov y los poemas sinfónicos Una noche en el Monte Pelado y Cuadros de una exposición. El impresionismo francés lo tomó como referencia.
Una noche en el monte pelado es un poema sinfónico originalmente inspirado por un cuento de Nikolái Gógol, en el cual un campesino presencia un aquelarre en el Monte Pelado, cerca de Kiev en la Noche de San Juan (equivalente a la Noche de Walpurgis). Con mucho de original, el trabajo tiene una historia composicional tortuosa y es conocido en muchas versiones distintas.
La textura de esta pieza es melodía acompañada. Es interpretada por una orquesta muy grande, de un desarrollo increíble con un colorido completamente nuevo en aquella época.
Es una música muy descriptiva, poema sinfónico, que logra transmitir una sensación de nerviosismo. Es música programática con muchas variedades de ritmo y compases, todos binarios.
Musorgsky:
Tchaikovsky: El Cascanueces (Marcha, Vals de las flores)
Tchaikovsky nació en Rusia en el año 1840 y murió en San Petesburgo en 1893; fue un compositor del período del Romanticismo. Es autor de algunas de las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como por ejemplo los esta, El cascanueces.
A pesar de ser contemporáneo estricto del Grupo de los Cinco, constituido por figuras de la talla de Borodin, Mussorgsky o Rimski-Korsakov, el estilo de Tchaikovsky no puede encasillarse dentro de los márgenes del nacionalismo imperante entonces en su Rusia natal. De carácter cosmopolita en lo que respecta a las influencias (entre ellas y en un lugar preponderante la del sinfonismo alemán, aunque no carente de elementos rusos), su música es ante todo profundamente expresiva y personal, reveladora de la personalidad del autor, compleja y atormentada.
La textura de esta obra es una melodía acompañada. Este ballet se representa con movimientos muy ligeros, suaves, y con mucho vuelo. La melodía es muy pegadiza y repetitiva, con un ritmo de valls.
La armonía es tonal, clásica y retrógrada.
Es una ballet bailado tanto por hombres como por mujeres, y en esta sección, 'Vals de las flores', representan a flores, con un vestuario determinado para ello.
Tchaikovsky:
Verdi: La traviata (brinidis)
Verdi fue un compositor romántico italiano de ópera del siglo XIX, el más notable e influyente compositor de ópera italiana y puente entre el belcanto de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del verismo y Puccini. Fue autor de algunos de los títulos más populares del repertorio lírico; La Traviata es uno de ellos.
La Traviata es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas La dama de las camelias (1852), aunque no directamente sino a través de una adaptación teatral. Originariamente lo titularon Violetta, por el personaje principal.
Es una melodía acompañada, la voz realiza la melodía principal y el acompañamiento es interpretado por una gran orquesta sinfónica. La voz solista va cambiando de persona, primero la interpreta un hombre y después una mujer, y así repetidamente. El estribillo es cantado por un coro.
La melodía es pegadiza y repetitiva y el ritmo alegre. La armonía es tonal y el compás binario.
Verdi:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=SLuFfHwQKUs
La Traviata es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas La dama de las camelias (1852), aunque no directamente sino a través de una adaptación teatral. Originariamente lo titularon Violetta, por el personaje principal.
Es una melodía acompañada, la voz realiza la melodía principal y el acompañamiento es interpretado por una gran orquesta sinfónica. La voz solista va cambiando de persona, primero la interpreta un hombre y después una mujer, y así repetidamente. El estribillo es cantado por un coro.
La melodía es pegadiza y repetitiva y el ritmo alegre. La armonía es tonal y el compás binario.
Verdi:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=SLuFfHwQKUs
martes, 28 de abril de 2015
Wagner: Preludio de Tristán e Isolda.
Richard Wagner nació el veintidós de mayo de 1813 y murió el trece de febrero de 1883. Fue un compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical alemán del Romanticismo. Destacan principalmente sus óperas (calificadas como «dramas musicales» por el propio compositor) en las que, a diferencia de otros compositores, asumió también el libreto y la escenografía.
Esta ópera cuenta la historia de Tristán e Isolda, basada en el romance de Godofredo de Estrasburgo.
Esta parte corresponde al preludio de la ópera, necesario para entender el resto de ella.
La pieza comienza muy lenta, y después empieza a aumentar la velocidad. Utiliza una melodía acompañada muy compleja, en algunos casos con polifonía, lectura de diferentes voces que se interpretan a la vez. Es representada con una orquesta de grandes dimensiones. La armonía es tonal con un tratamiento de la disonancia muy cercano al siglo XX (música contemporánea)
Hay un tema que aparece durante toda la ópera, un intervalo, que desempeña un papel importante en ella. Además Wagner utuliza el leitmotiv (asunto central, tema característico que se repite a lo largo de una composición musical); cada uno de los sentimientos o personas que aparecen en la obra tienen una música concreta.
Wagner:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=L9kBhqJVUg4
Esta ópera cuenta la historia de Tristán e Isolda, basada en el romance de Godofredo de Estrasburgo.
Esta parte corresponde al preludio de la ópera, necesario para entender el resto de ella.
La pieza comienza muy lenta, y después empieza a aumentar la velocidad. Utiliza una melodía acompañada muy compleja, en algunos casos con polifonía, lectura de diferentes voces que se interpretan a la vez. Es representada con una orquesta de grandes dimensiones. La armonía es tonal con un tratamiento de la disonancia muy cercano al siglo XX (música contemporánea)
Hay un tema que aparece durante toda la ópera, un intervalo, que desempeña un papel importante en ella. Además Wagner utuliza el leitmotiv (asunto central, tema característico que se repite a lo largo de una composición musical); cada uno de los sentimientos o personas que aparecen en la obra tienen una música concreta.
Wagner:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=L9kBhqJVUg4
viernes, 24 de abril de 2015
Wagner: Cabalgata de las Walkirias.
Richard Wagner nació el veintidós de mayo de 1813 y murió el trece de febrero de 1883. Fue un compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical alemán del Romanticismo. Destacan principalmente sus óperas (calificadas como «dramas musicales» por el propio compositor) en las que, a diferencia de otros compositores, asumió también el libreto y la escenografía.
La 'Cabalgata de las Walquirias' es el término popular para referirse al comienzo del tercer acto de La valquiria, la segunda ópera de la tetralogía El anillo del nibelungo, compuesta por Wagner. Junto con el Coro nupcial de Lohengrin, La cabalgata de las valquirias es una de las piezas más conocidas de Wagner.
La textura de esta pieza es melodía acompañada; la melodía principal es realizada por voces femeninas (no siempre de la misma mujer, van alternando) y el acompañamiento lo realiza una orquesta sinfónica. La melodía es muy intensa y repetitiva. Un procedimiento melódico que permite seguir el hilo dramático a través de las melodías es el leitmotiv. Consiste en un tema musical asociado a una persona, cosa o idea abstracta con el que se puede seguir este elemento a lo largo de la obra, ver su transformación, observar las relaciones con otros objetos, etc. Tiene un ritmo animado y un compás de 9/8.
Wagner:
Audio y vídeo: https://www.youtube.com/watch?v=TAEQMp4soOw
La 'Cabalgata de las Walquirias' es el término popular para referirse al comienzo del tercer acto de La valquiria, la segunda ópera de la tetralogía El anillo del nibelungo, compuesta por Wagner. Junto con el Coro nupcial de Lohengrin, La cabalgata de las valquirias es una de las piezas más conocidas de Wagner.
La textura de esta pieza es melodía acompañada; la melodía principal es realizada por voces femeninas (no siempre de la misma mujer, van alternando) y el acompañamiento lo realiza una orquesta sinfónica. La melodía es muy intensa y repetitiva. Un procedimiento melódico que permite seguir el hilo dramático a través de las melodías es el leitmotiv. Consiste en un tema musical asociado a una persona, cosa o idea abstracta con el que se puede seguir este elemento a lo largo de la obra, ver su transformación, observar las relaciones con otros objetos, etc. Tiene un ritmo animado y un compás de 9/8.
Wagner:
Audio y vídeo: https://www.youtube.com/watch?v=TAEQMp4soOw
Bizet: Carmen (Habanera)
Georges Bizet nació en París el veinticinco de octubre de 1838 y murió en Bougival el 3 de junio de 1875; fue un compositor francés, principalmente de óperas. En una carrera cortada por su muerte prematura, alcanzó escasos éxitos hasta su última obra, Carmen, que se convirtió en una de las obras más populares e interpretadas de todo el repertorio operístico.
La textura de esta obra es una melodía acompañada; melodía principal realizada por una voz solista mezzosoprano , y un acompañamiento de orquesta realizado sobre todo por instrumentos de cuerda frotada, al menos en esta sección, el aria. Los instrumentos realizan una especie de bucle constante haciendo un ritmo de habanera en cuatro por cuatro. La melodía es repetitiva, con dos secciones claramente marcadas (además del estribillo) la primera con abundantes cromatismos, muy cromática, y la segunda más sencilla. Es música muy expresiva. La armonía es muy sencilla, aunque con muchos cromatismos, y por lo tanto muchos cambios en la escala. La forma musical corresponde al aria de una ópera.
Carmen es una ópera cómica realizada en París pero ambientada en España.
Bizet:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=KJ_HHRJf0xg
La textura de esta obra es una melodía acompañada; melodía principal realizada por una voz solista mezzosoprano , y un acompañamiento de orquesta realizado sobre todo por instrumentos de cuerda frotada, al menos en esta sección, el aria. Los instrumentos realizan una especie de bucle constante haciendo un ritmo de habanera en cuatro por cuatro. La melodía es repetitiva, con dos secciones claramente marcadas (además del estribillo) la primera con abundantes cromatismos, muy cromática, y la segunda más sencilla. Es música muy expresiva. La armonía es muy sencilla, aunque con muchos cromatismos, y por lo tanto muchos cambios en la escala. La forma musical corresponde al aria de una ópera.
Carmen es una ópera cómica realizada en París pero ambientada en España.
Bizet:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=KJ_HHRJf0xg
miércoles, 22 de abril de 2015
Bellini: Norma (aria 'Casta diva')
Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini (Catania, Sicilia, Reino de las Dos Sicilias, 3 de noviembre de 1801 - Puteaux, Francia, 23 de septiembre de 1835) fue un compositor italiano.
Hijo del organista Rosario Bellini, recibió las primeras lecciones de música de su padre y de su abuelo, Vincenzo Tobia. Bellini fue un niño prodigio, su primera composición data de cuando tenía seis años.
Con una beca que le proporcionó el Duque de San Martino ingresó en Colegio de San Sebastián de Nápoles.
Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara, un famoso concierto para oboe y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le dio fama. Compuso para virtuosos del bel canto. Intentó minimizar las diferencias clásicas entre las partes cantadas y recitadas —arias y recitativos—, manteniendo la tensión dramática.
Esta es su obra más difundida, Norma, en la que destaca esta aria, Casta Diva, donde se conjuntan la gravedad clásica con un apasionamiento muy romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles para soprano dentro del repertorio. Durante el siglo XX destaca en este papel Maria Callas, que fue la más famosa Norma del siglo.
Bellini se retiró a París, donde le sorprendió la muerte a los 34 años, tras una breve enfermedad.
Los acompañamientos de esta obra son sencillos; al ser una ópera la textura es melodía acompañada. Es una tragedia lírica en dos actos interpretada con una gran sensibilidad vocal. La mujer que la interpreta es una soprano dramática.
Bellini:
Audio (María Callas): https://www.youtube.com/watch?v=B-9IvuEkreI
Hijo del organista Rosario Bellini, recibió las primeras lecciones de música de su padre y de su abuelo, Vincenzo Tobia. Bellini fue un niño prodigio, su primera composición data de cuando tenía seis años.
Con una beca que le proporcionó el Duque de San Martino ingresó en Colegio de San Sebastián de Nápoles.
Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara, un famoso concierto para oboe y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le dio fama. Compuso para virtuosos del bel canto. Intentó minimizar las diferencias clásicas entre las partes cantadas y recitadas —arias y recitativos—, manteniendo la tensión dramática.
Esta es su obra más difundida, Norma, en la que destaca esta aria, Casta Diva, donde se conjuntan la gravedad clásica con un apasionamiento muy romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles para soprano dentro del repertorio. Durante el siglo XX destaca en este papel Maria Callas, que fue la más famosa Norma del siglo.
Bellini se retiró a París, donde le sorprendió la muerte a los 34 años, tras una breve enfermedad.
Los acompañamientos de esta obra son sencillos; al ser una ópera la textura es melodía acompañada. Es una tragedia lírica en dos actos interpretada con una gran sensibilidad vocal. La mujer que la interpreta es una soprano dramática.
Bellini:
Audio (María Callas): https://www.youtube.com/watch?v=B-9IvuEkreI
Rossini: El barbero de Sevilla (Serenata del Conde de Almaviva Ecco ridente, aria de Fígaro)
Rossini (1792-1868), heredero de la gran tradición italiana del 'bel canto', la elevó hasta cimas insuperables y le dio una validez universal. Como Meyerbeer, triunfó en París, pero fue igualmente aclamado en Viena, en Italia y en España. Poseía una facilidad melódica sorprendente, y lo vasto de su producción nos habla de ello. Sus creaciones más importantes caen dentro del terreno de la ópera cómica.
El Barbero de Sevilla, comedia de embrollo típicamente dieciochesca, es muestra palpable del dominio que tenía de la situación dramática y de cómo la ligereza conscientemente perseguida y hábilmente lograda no disminuye la calidad de la obra.
Rossini señala el final de una época, la de la ópera napolitana del siglo XVIII.
Esta obra es una ópera bufa en dos actos, estrenada en Roma en el año 1816. El aria tiene varias partes que van cambiando de carácter. Es interpretada por una orquesta pequeña con sección de melodía acompañada realizada por la guitarra. La voz solista realiza muchos agudos, con gran virtuosismo y velocidad, el coro no tiene importancia, simplemente el solista (melodía principal) y el acompañamiento. Es una obra de altísimo nivel a pesar de la apariencia sencilla que muestra al público.
Rossini:
Audio más letra traducida al español: https://www.youtube.com/watch?v=k9ZddMufCxk
Esta versión está interpretada por Juan Diego Flórez, artista peruano de gran importancia.
El Barbero de Sevilla, comedia de embrollo típicamente dieciochesca, es muestra palpable del dominio que tenía de la situación dramática y de cómo la ligereza conscientemente perseguida y hábilmente lograda no disminuye la calidad de la obra.
Rossini señala el final de una época, la de la ópera napolitana del siglo XVIII.
Esta obra es una ópera bufa en dos actos, estrenada en Roma en el año 1816. El aria tiene varias partes que van cambiando de carácter. Es interpretada por una orquesta pequeña con sección de melodía acompañada realizada por la guitarra. La voz solista realiza muchos agudos, con gran virtuosismo y velocidad, el coro no tiene importancia, simplemente el solista (melodía principal) y el acompañamiento. Es una obra de altísimo nivel a pesar de la apariencia sencilla que muestra al público.
Rossini:
Audio más letra traducida al español: https://www.youtube.com/watch?v=k9ZddMufCxk
Esta versión está interpretada por Juan Diego Flórez, artista peruano de gran importancia.
jueves, 16 de abril de 2015
Comentario de texto página 257.
‘Mi paz ha huido, mi corazón está dolorido. Nunca volveré a encontrarla, ah, nunca más’.
Palabras de la canción de Schubert Gretchen am Spinnrade, (Margarita en la rueca), tomadas del Fausto de Goethe.
Este texto es un fragmento de una carta escrita por el músico romántico Schubert en el año 1824, siglo XIX, dirigida al pintor Kupelwieser.
Franz Peter Schubert nació en Viena el treinta y uno de enero de 1797 y murió el diecinueve de noviembre de 1828. Fue un compositor austriaco, considerado el introductor del romanticismo musical y la forma breve característica pero, a la vez, también continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. Fue un gran compositor de liedes, así como de música para piano, de cámara y orquestal.
La frase del texto se encuentra en una de sus canciones, Margarita la rueca, una historia de amor desesperada; historia en la que Fausto, un mago, invoca al Diablo. Mefistófeles se le hace presente y Fausto le vende su alma a cambio de algunos años de sabiduría o a cambio de una juventud eterna. Rejuvenecido, y con ayudas de Mefistófeles, Fausto logra seducir y enamorar a la bella y dulce Margarita. El texto utilizado en el lied, nos muestra a Margarita tejiendo en su rueca, pensado en Fausto.
Schubert escribe esta frase porque realmente se identifica con ella, ya que se encuentra en un mal estado tanto personal como físico. Schubert se siente una persona miserable e infeliz por ello, y, según el texto completo, se repite esa frase todos los días, pues cada noche se duerme esperando no volverse a despertar.
Palabras de la canción de Schubert Gretchen am Spinnrade, (Margarita en la rueca), tomadas del Fausto de Goethe.
Este texto es un fragmento de una carta escrita por el músico romántico Schubert en el año 1824, siglo XIX, dirigida al pintor Kupelwieser.
Franz Peter Schubert nació en Viena el treinta y uno de enero de 1797 y murió el diecinueve de noviembre de 1828. Fue un compositor austriaco, considerado el introductor del romanticismo musical y la forma breve característica pero, a la vez, también continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. Fue un gran compositor de liedes, así como de música para piano, de cámara y orquestal.
La frase del texto se encuentra en una de sus canciones, Margarita la rueca, una historia de amor desesperada; historia en la que Fausto, un mago, invoca al Diablo. Mefistófeles se le hace presente y Fausto le vende su alma a cambio de algunos años de sabiduría o a cambio de una juventud eterna. Rejuvenecido, y con ayudas de Mefistófeles, Fausto logra seducir y enamorar a la bella y dulce Margarita. El texto utilizado en el lied, nos muestra a Margarita tejiendo en su rueca, pensado en Fausto.
Schubert escribe esta frase porque realmente se identifica con ella, ya que se encuentra en un mal estado tanto personal como físico. Schubert se siente una persona miserable e infeliz por ello, y, según el texto completo, se repite esa frase todos los días, pues cada noche se duerme esperando no volverse a despertar.
Museo de instrumentos, Viena.
1. Trombón, uno de ellos con su estuche asociado (siglo XIX): En este período no se produjo un aumento de las composiciones para trombón solista o de cámara, no obstante sí estuvo más presente en la orquesta sinfónica , donde surgió la plantilla actual de dos trombones tenores y un trombón bajo. Compositores como Robert Shumann o R. Wagner también escribieron pasajes importantes para los trombones en sus composiciones orquestales. Esto se hizo posible por el cambio que se produjo en el modelo de construcción del instrumento; pasaron a tener tuberías más anchas y la campana se agrandó.
2. Pianoforte (siglo XIX): La importancia del piano en el Romanticismo fue fundamental para el desarrollo de la creación musical. Se convirtió en el laboratorio de nuevas propuestas estilísticas y en interfaz entre el artista y su creación, generando una literatura propia, que lentamente se va diferenciando de sus antepasados de teclado, sea el clave o el órgano, descubriendo nuevas sonoridades y posibilidades.
3. Violonchelo (siglo XVIII): En este periodo (Clasicismo) Haydn y Beethoven fueron dos de los grandes compositores que ensalzaron la figura del violonchelo y compusieron gran número de obras para él, ya como instrumento solista. Además, el violonchelo se consolidó como pieza fundamental, como bajo, en la inmensa mayoría de cuartetos y tríos compuestos en esta época, y fue utilizado por prácticamente todos los compositores.
4. Violín, arco y estuche (siglo XVIII): En esta época el violín estaba en un punto intermedio de su evolución desde su nacimiento, en el siglo XVI, de sonoridad más frágil y técnica más sencilla, hasta el siglo XIX, en el que el violín alcanzó un gran potencia sonora para llenar las grandes salas de conciertos para las interpretaciones de los virtuosos con gran dominio técnico. En esta evolución, intérpretes y constructores colaboraron estrechamente.
5. Arpa (siglo XIX): El arpa fue un instrumento muy de moda durante la Edad Media, siendo abandonado durante el Renacimiento. A pesar de esto se recuperó en el siglo XVIII (clasicismo), cuando se le agregaron los pedales, los cuales podemos ver en la imagen.
6. Contrafagot (siglo XIX): El contrafagot se desarrolló en el siglo XVIII, pero no se utilizó en la orquesta hasta principios del siglo XIX. Uno de los primeros compositores en incluirlo en una obra fue Ludwig van Beethoven. El verdadero desarrollo y mejoras en la construcción del instrumento fueron producidos por Heckel alrededor del año 1850.
7. Fagot (siglo XIX): El número de llaves del fagot se incrementó de manera paralela a su desarrollo, que a principios del siglo XIX fue considerable por la nitidez de su sonido y de su amplio registro. El carácter con el que hoy se conoce el instrumento se debe básicamente a los perfeccionamientos llevados a cabo entre 1820 y 1830 por Jean Nicolas Savary, cuyas mejoras se vieron reforzadas por la incorporación del sistema de llaves de Theobald Böhm.
8. Laúd (siglo XVI): El XVI fue el siglo del laúd a pesar de que este instrumento tenía ya un largo recorrido en Europa en los siglos precedentes. Su protagonismo en la música de la época es indiscutible, jugando el papel de liderazgo que posteriormente desempeñaría el clave y luego el pianoforte. Era un instrumento ágil en la interpretación, de entonación precisa y de una sonoridad limitada pero suficiente. Pero sin duda una de sus grandes virtudes era su capacidad para ser tocado polifónicamente, es decir, la posibilidad de tocar en él distintas voces que se mezclaban en el contrapunto de canciones y madrigales.
9. Mesa con función de órgano (siglo XVII): En el barroco el órgano tuvo su apogeo y época dorada, tanto en intérpretes como en compositores y organeros. Este órgano fue construido en Alemania, lugar en el que este instrumento tuvo una importancia capital en todos los sentidos, donde la calidad y cantidad de las obras y el gran número de compositores que hubo durante todo el periodo hicieron que el órgano tuviera aquí el máximo apogeo que se haya conocido en su época y en toda la historia.
10. Mecánica de un piano (siglo XX): La parte mecánica de un piano está formada por el teclado y la máquina; la máquina de un piano es la que convierte la acción de aquellos que pulsan las teclas en el movimiento de los martillos que percuten las cuerdas.
2. Pianoforte (siglo XIX): La importancia del piano en el Romanticismo fue fundamental para el desarrollo de la creación musical. Se convirtió en el laboratorio de nuevas propuestas estilísticas y en interfaz entre el artista y su creación, generando una literatura propia, que lentamente se va diferenciando de sus antepasados de teclado, sea el clave o el órgano, descubriendo nuevas sonoridades y posibilidades.
3. Violonchelo (siglo XVIII): En este periodo (Clasicismo) Haydn y Beethoven fueron dos de los grandes compositores que ensalzaron la figura del violonchelo y compusieron gran número de obras para él, ya como instrumento solista. Además, el violonchelo se consolidó como pieza fundamental, como bajo, en la inmensa mayoría de cuartetos y tríos compuestos en esta época, y fue utilizado por prácticamente todos los compositores.
4. Violín, arco y estuche (siglo XVIII): En esta época el violín estaba en un punto intermedio de su evolución desde su nacimiento, en el siglo XVI, de sonoridad más frágil y técnica más sencilla, hasta el siglo XIX, en el que el violín alcanzó un gran potencia sonora para llenar las grandes salas de conciertos para las interpretaciones de los virtuosos con gran dominio técnico. En esta evolución, intérpretes y constructores colaboraron estrechamente.
5. Arpa (siglo XIX): El arpa fue un instrumento muy de moda durante la Edad Media, siendo abandonado durante el Renacimiento. A pesar de esto se recuperó en el siglo XVIII (clasicismo), cuando se le agregaron los pedales, los cuales podemos ver en la imagen.
6. Contrafagot (siglo XIX): El contrafagot se desarrolló en el siglo XVIII, pero no se utilizó en la orquesta hasta principios del siglo XIX. Uno de los primeros compositores en incluirlo en una obra fue Ludwig van Beethoven. El verdadero desarrollo y mejoras en la construcción del instrumento fueron producidos por Heckel alrededor del año 1850.
7. Fagot (siglo XIX): El número de llaves del fagot se incrementó de manera paralela a su desarrollo, que a principios del siglo XIX fue considerable por la nitidez de su sonido y de su amplio registro. El carácter con el que hoy se conoce el instrumento se debe básicamente a los perfeccionamientos llevados a cabo entre 1820 y 1830 por Jean Nicolas Savary, cuyas mejoras se vieron reforzadas por la incorporación del sistema de llaves de Theobald Böhm.
8. Laúd (siglo XVI): El XVI fue el siglo del laúd a pesar de que este instrumento tenía ya un largo recorrido en Europa en los siglos precedentes. Su protagonismo en la música de la época es indiscutible, jugando el papel de liderazgo que posteriormente desempeñaría el clave y luego el pianoforte. Era un instrumento ágil en la interpretación, de entonación precisa y de una sonoridad limitada pero suficiente. Pero sin duda una de sus grandes virtudes era su capacidad para ser tocado polifónicamente, es decir, la posibilidad de tocar en él distintas voces que se mezclaban en el contrapunto de canciones y madrigales.
9. Mesa con función de órgano (siglo XVII): En el barroco el órgano tuvo su apogeo y época dorada, tanto en intérpretes como en compositores y organeros. Este órgano fue construido en Alemania, lugar en el que este instrumento tuvo una importancia capital en todos los sentidos, donde la calidad y cantidad de las obras y el gran número de compositores que hubo durante todo el periodo hicieron que el órgano tuviera aquí el máximo apogeo que se haya conocido en su época y en toda la historia.
10. Mecánica de un piano (siglo XX): La parte mecánica de un piano está formada por el teclado y la máquina; la máquina de un piano es la que convierte la acción de aquellos que pulsan las teclas en el movimiento de los martillos que percuten las cuerdas.
Brahms: Sinfonía en Mi menor (Allegro - 1er movimiento)
Johannes Brahms nació en Hamburgo el siete de mayo de 1833 y murió en Viena el 3 de abril de 1897. Fue un pianista y compositor alemán del Romanticismo, aunque se le puede considerar ya un posromántico. A Brahms se le considera el más clásico de los compositores románticos. Se mantuvo fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador, influenciado por Mozart, Haydn y, particularmente, por Beethoven. Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la Guerra de los románticos. Sus oponentes, los progresistas radicales de Weimar, estaban representados por Franz Liszt, los integrantes de la posteriormente llamada Nueva Escuela Alemana y por Richard Wagner.
Nació y se crió en Alemania, donde su obra romántica, conservadora y con un clasicismo muy contenido, no fue bien recibida. Por ese motivo, en 1862 decidió autoexiliarse en Viena, donde creó lo mejor de su repertorio sinfónico y de conciertos para instrumentos solistas de diversa clase
Esta obra es el primer movimiento de una sonata:
Desde finales del siglo XVIII la inmensa mayoría de las obras musicales de cierta extensión han estado vinculadas de algún modo al esquema constructivo de la sonata.
Su origen está en la antigua división entre sonatas y cantatas, y en las sonatas barrocas de iglesia y de cámara.
La sonata no requiere tanto la atención a los detalles o al tejido contrapuntístico, sino que se basa más en el contraste de grandes secciones ampliamente trazadas. En la época clásica la sonata se articula en cuatro partes: la primera de carácter rápido; el segundo movimiento lento, suele ser un tema más melodioso; el tercero tiene un carácter más desenfrenado; y la cuarta parte adopta casi siempre la forma de rondó.
Lo verdaderamente importante de la sonata es su primer movimiento, que se puede reducir a la fórmula A-B-A, o sea, exposición, desarrollo y recapitulación.
EXPOSICIÓN: Se presentan los temas (a) y (b) y sigue un breve pasaje (c), que anuncia la conclusión de la sección.
DESARROLLO: el autor manipula libremente el material temático presentado antes.
RECAPITULACIÓN: es el ‘final feliz’ de la sonata clásica. A la reexposición de los temas (a) y (b) suele seguir una pequeña parte (c) llamada coda.
Nació y se crió en Alemania, donde su obra romántica, conservadora y con un clasicismo muy contenido, no fue bien recibida. Por ese motivo, en 1862 decidió autoexiliarse en Viena, donde creó lo mejor de su repertorio sinfónico y de conciertos para instrumentos solistas de diversa clase
Esta obra es el primer movimiento de una sonata:
Desde finales del siglo XVIII la inmensa mayoría de las obras musicales de cierta extensión han estado vinculadas de algún modo al esquema constructivo de la sonata.
Su origen está en la antigua división entre sonatas y cantatas, y en las sonatas barrocas de iglesia y de cámara.
La sonata no requiere tanto la atención a los detalles o al tejido contrapuntístico, sino que se basa más en el contraste de grandes secciones ampliamente trazadas. En la época clásica la sonata se articula en cuatro partes: la primera de carácter rápido; el segundo movimiento lento, suele ser un tema más melodioso; el tercero tiene un carácter más desenfrenado; y la cuarta parte adopta casi siempre la forma de rondó.
Lo verdaderamente importante de la sonata es su primer movimiento, que se puede reducir a la fórmula A-B-A, o sea, exposición, desarrollo y recapitulación.
EXPOSICIÓN: Se presentan los temas (a) y (b) y sigue un breve pasaje (c), que anuncia la conclusión de la sección.
DESARROLLO: el autor manipula libremente el material temático presentado antes.
RECAPITULACIÓN: es el ‘final feliz’ de la sonata clásica. A la reexposición de los temas (a) y (b) suele seguir una pequeña parte (c) llamada coda.
Esta obra contiene muchos contrastes y un gran juego orquestal. Está representada por una orquesta sinfónica en la que predominan los instrumentos de cuerda frotada. La armonía es consonante y aparece una melodía que sirve de introducción.
Brahms:
Chopin: Nocturno en mi bemol mayor op.9 nº2.
El autor de esta obra, Fryderyk Franciszek Chopin, nació el uno de marzo de 1810 y murió el diecisiete de de octubre de 1849 en París. Fue un compositor y virtuoso pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente, por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores, con las de Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.
La textura de esta obra es una melodía compañada; la mano derecha realiza la melodía y la izquierda se encarga del acompañamiento. El único instrumento utilizado es el piano, instrumento por excelencia del romanticismo. La melodía es larga, repetitiva, cantable, con saltos y muy íntima. El ritmo en la mano izquierda es repetitivo, tipo vals pero más lento (demasiado como para poder bailarlo). El compás es ternario y la armonía constante, con acordes típicos del Romanticismo, más complejos que los anteriores.
Juega con diferentes tipos de frases(AA'BA'B), B es más enérgica que A. Es un nocturno, una pieza musical para piano escrita a mediados del siglo XIX.
Chopin:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=tgA9OrV2DI4
La textura de esta obra es una melodía compañada; la mano derecha realiza la melodía y la izquierda se encarga del acompañamiento. El único instrumento utilizado es el piano, instrumento por excelencia del romanticismo. La melodía es larga, repetitiva, cantable, con saltos y muy íntima. El ritmo en la mano izquierda es repetitivo, tipo vals pero más lento (demasiado como para poder bailarlo). El compás es ternario y la armonía constante, con acordes típicos del Romanticismo, más complejos que los anteriores.
Juega con diferentes tipos de frases(AA'BA'B), B es más enérgica que A. Es un nocturno, una pieza musical para piano escrita a mediados del siglo XIX.
Chopin:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=tgA9OrV2DI4
miércoles, 15 de abril de 2015
Berlioz: Sinfonía fantástica (4º movimiento: Marcha hacia la ejecución)
El autor de esta obra Louis Hector Berlioz nació en Francia el 11 de diciembre de 1803 y murió el 8 de marzo de 1869. Fue un compositor francés y figura destacada del romanticismo. Esta es obra más conocida, estrenada en 1830. Berlioz fue un gran orquestador y la influencia de su música fue extraordinaria.
La textura utilizada en esta obra es una melodía acompañada, la cual pasa por diferentes timbres (gran riqueza tímbrica, todos los instrumentos van a verse representados en algún momento). La melodía es repetitiva, muy compleja y difícil de analizar ya que es irregular. La melodía principal está interpretada por una trompeta y la cuerda por debajo hace otra melodía. Es una pieza muy compleja ritmicamente, muy difícil de medir y en la que se realizan cambios en el compás para cambiar la actitud de la pieza. Encontramos una gran dificultad armónica, que roza la música contemporánea en algunas partes. Se utilizan una gran cantidad de instrumentos; flautas, oboes, fagots, clarinetes, trompas, trompetas, cornetas, trombones y tubas (viento) y bongos, campanas, caja, platillos, arpas, y la habitual sección de cuerda. El timbal tiene un gran peso en la pieza ya que gracias a él, además de a la velocidad, el autor consigue provocar tensión en los espectadores.
Berlioz:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=zbi2SlR-Gfg
La textura utilizada en esta obra es una melodía acompañada, la cual pasa por diferentes timbres (gran riqueza tímbrica, todos los instrumentos van a verse representados en algún momento). La melodía es repetitiva, muy compleja y difícil de analizar ya que es irregular. La melodía principal está interpretada por una trompeta y la cuerda por debajo hace otra melodía. Es una pieza muy compleja ritmicamente, muy difícil de medir y en la que se realizan cambios en el compás para cambiar la actitud de la pieza. Encontramos una gran dificultad armónica, que roza la música contemporánea en algunas partes. Se utilizan una gran cantidad de instrumentos; flautas, oboes, fagots, clarinetes, trompas, trompetas, cornetas, trombones y tubas (viento) y bongos, campanas, caja, platillos, arpas, y la habitual sección de cuerda. El timbal tiene un gran peso en la pieza ya que gracias a él, además de a la velocidad, el autor consigue provocar tensión en los espectadores.
Berlioz:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=zbi2SlR-Gfg
lunes, 13 de abril de 2015
Schubert: lied Margarita a la rueca.
Franz Peter Schubert nació en Viena el treinta y uno de enero de 1797 y murió el diecinueve de noviembre de 1828. Fue un compositor austriaco, considerado el introductor del romanticismo musical y la forma breve característica pero, a la vez, también continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. Fue un gran compositor de liedes, así como de música para piano, de cámara y orquestal.
Esta pieza corresponde a un lied, una canción lírica breve cuya letra es un poema al que se ha puesto música y escrita para voz solista y acompañamiento, generalmente de piano. Esta forma se caracteriza por la brevedad, la renuncia al virtuosismo belcantistico, la estrecha relación con el poema y la fuerte influencia de la canción popular alemana o Volkslied. Se trata de una forma musical típica de los países germánicos y propia del Romanticismo.
Margarita a la rueca es una historia de amor desesperada, la historia de Margarita cuando Fausto le quita su pureza.
El piano está presente durante toda la pieza, y representa la rueca. No es un simple acompañamiento, sino que es imprescindible para el sentido de las palabras, es una voz más. La letra tiene un añto contenido poético. Aparecen muchas modulaciones, por lo tanto hay una gran dificultad armónica; se va cambiando de tonalidad, mucho movimiento armónico.
Schubert:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=I45EsX2r27g
Esta pieza corresponde a un lied, una canción lírica breve cuya letra es un poema al que se ha puesto música y escrita para voz solista y acompañamiento, generalmente de piano. Esta forma se caracteriza por la brevedad, la renuncia al virtuosismo belcantistico, la estrecha relación con el poema y la fuerte influencia de la canción popular alemana o Volkslied. Se trata de una forma musical típica de los países germánicos y propia del Romanticismo.
Margarita a la rueca es una historia de amor desesperada, la historia de Margarita cuando Fausto le quita su pureza.
El piano está presente durante toda la pieza, y representa la rueca. No es un simple acompañamiento, sino que es imprescindible para el sentido de las palabras, es una voz más. La letra tiene un añto contenido poético. Aparecen muchas modulaciones, por lo tanto hay una gran dificultad armónica; se va cambiando de tonalidad, mucho movimiento armónico.
Schubert:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=I45EsX2r27g
Beethoven: Quinta Sinfonía (primer movimiento)
Ludwig van Beethovena nació el dieciséis de diciembre de 1770 y murió el veintiséis de marzo de 1827. Fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Es uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior.
Esta obra está dividido en dos temas; el primer tema está compuesto por dos sonidos musicales y el segundo tema tiene mucho contraste melódico, suave... En el desarrollo es donde más juega con los contrastes de intensidades e instrumentos solistas. El desarrollo armónico es muy complejo, encontramos modulaciones. La orquesta también es compleja (todas las familias), hace contrastar la cuerda con el viento, pero también hay percusión. Aparece un claro componente emotivo, gran emotividad. La textura es melodía acompañada y la forma musical sonata.
Beethoven:
Comienzo de la partitura:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=7WrbIkkny30
Esta obra está dividido en dos temas; el primer tema está compuesto por dos sonidos musicales y el segundo tema tiene mucho contraste melódico, suave... En el desarrollo es donde más juega con los contrastes de intensidades e instrumentos solistas. El desarrollo armónico es muy complejo, encontramos modulaciones. La orquesta también es compleja (todas las familias), hace contrastar la cuerda con el viento, pero también hay percusión. Aparece un claro componente emotivo, gran emotividad. La textura es melodía acompañada y la forma musical sonata.
Beethoven:
Comienzo de la partitura:
Audio: https://www.youtube.com/watch?v=7WrbIkkny30
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