Yo interpretaría esta escena con un hombre en el papel de Orfeo, vestido con los ropajes típicos de aquella época. El infierno al que este entra lo representaría con focos de color rojo y humo sobre el suelo, lo cual haría que toda la escena se viese de color rojo, pero no demasiado iluminado para que el ambiente pareciese más tenue y siniestro. A las personas que reciben a Orfeo las representaría vestidas completamente de negro y sin mostrar sus caras, inmersas entre el humo rojo disperso en toda la escena. La escena no tendría ninguna clase de decoración más, y al encontrarse Orfeo con Eurídice los focos disminuirían su intensidad.
viernes, 27 de febrero de 2015
Comparación audiciones de Mozart.
Mozart es un compositor que a los cuatro años recibe las primeras lecciones de música de su propio padre, y al año siguiente ya escribe sus primeras composiciones. A los doce años compone óperas. Su infancia y adolescencia las pasó viajando por todas las cortes europeas, dando conciertos con su padre y hermana.
En 1769 entra al servicio del arzobispo de Salzburgo. Mozart decide en 1782 romper con su 'protector' y vivir con su esposa de su producción musical, pero eso resultaba imposible en una sociedad en que la música era solo un lujo cultural de los poderosos.
Desamparado, perseguido por la desgracia, agotado por su trabajo incesante, su situación económica llegó a extremos de verdadera miseria que solo se superaba fugazmente con los escasos beneficios de algún pasajero éxito. Quebrantada su salud, Mozart murió a los treinta y cinco años, cuando había compuesto casi ochocientas obras.
Mozart:
Comparación:
La textura de la sinfonía número cuarenta es una melodía acompañada, al igual que en el concierto para piano número veinte en re menor K 466, ya que hay una melodía y un acompañamiento. Aparece una segunda melodía de carácter constante, la primera melodía es más calmada. Los instrumentos utilizados son de cuerda y de viento. La melodía es rápida y repetitiva, intensa. La forma musical es una sinfonía.
La flauta mágica comienza con una parte hablada. Es un sigspield (zarzuela en alemán). Consta de una gran complejidad instrumental, la orquesta complementa y juega con la voz. La melodía es muy atractiva y compleja. Es un area en la que aparecen muchas florituras. La letra de esta ópera está en alemán, al igual que en todas las piezas comparadas. Esta ópera está dirigida a la gente popular y termina con el clásico dominante tónica.
La flauta mágica es la única audición en la cual su forma musical es una sonata, cuya estructura es la siguiente: A Exposición (a:tónica b:dominante c:dominante) B Desarrollo (a,b y c: tonos alejados) A Recapitulación (a:tónica b:tónica c:tónica).
El concierto para piano y orquesta número veinte en re menor K 466 comienza con una parte solista interpretada por un piano, a la que después se une la orquesta; se van alternando partes con orquesta y sin ella. En un momento dado de la pieza aumenta la velocidad. La forma musical es concierto.
El Requiem es una parte de la misa dedicada a un difunto. La música es muy enérgica, al igual que en la sinfonía número cuarenta. Comienza con un coro de voces blancas (mujeres y niños)
martes, 17 de febrero de 2015
Excursión día 19 de febrero.
1 Imagen asociada a la pieza 'Suite of English folk tune op 90, B. Britten'.(https://www.youtube.com/watch?v=CRtI2kVj1bI)
Primer movimiento:
Segundo movimiento:
Tercer movimiento:
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Cuarto movimiento:
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Quinto movimiento:
2 Información sobre Lang Lang.
Lang Lang (Shenyang, China; 14 de junio de 1982) es un pianista chino.
Comenzó a tomar lecciones de piano a la edad de 3 años. A los 5 años ganó el Concurso de Piano de Shenyang y tocó en su primer recital público. Entró en el Conservatorio Central de Música de Pekín cuando tenía 9 años. A la edad de 11 años, ganó el primer premio por la actuación artística destacada en el Cuarto Concurso Internacional de Jóvenes Pianistas en Alemania. En 1995, a los 13 años de edad, tocó completos los 24 Estudios de Chopin en el Pekín Concert Hall y ganó el primer premio en el Concurso Internacional de Jóvenes Músicos de Tchaikovsky en Japón, donde tocó el Concierto para Piano n.° 2 de Chopin con la Orquesta Filarmónica de Moscú en un concierto retransmitido por la cadena de televisión NHK. A los 14 años aparece como solista en el concierto inaugural de la Sinfónica Nacional de China. Al año siguiente comenzó a estudiar con Gary Graffman en el Instituto Curtis en Filadelfia.
3 Lo que expresa 'Así habló Zaratustra'.
Así habló Zarathustra (título original en alemán Also sprach Zarathustra) es un poema sinfónico compuesto por Richard Strauss en 1896. El autor se inspiró en la obra homónima del filósofo Nietzsche.
Primera parte: “La muerte de Dios”: en ella, habla de tres figuras fundamentales del espíritu: el camello (que soporta el dominio de la moral), el león (que crea una nueva moral) y el niño (que crea nuevos valores mediante el juego); asimismo, propone la necesidad de considerar las virtudes tradicionales como “adormideras”, que impiden ver los valores verdaderos y reivindica la necesidad de imaginar el nuevo sujeto humano como alguien que se atreve a experimentar.
Segunda parte: “La voluntad de poder”: relata la segunda bajada de Zaratustra y expone una nueva serie de discursos que tienen como tema central la “voluntad de poder”, atacando a quienes se oponen a la voluntad creadora de una moral autónoma. Al final de esta parte aparece la visión del “eterno retorno de las cosas”, que aterroriza a Zaratustra por su radicalidad y es, junto a la “voluntad de poder”, uno de los núcleos de su filosofía. Pero esta segunda parte termina también con un fracaso: Zaratustra regresa a su montaña, incomprendido por los hombres que no entienden cuanto dice y se ríen de él.
Tercera parte: “El eterno retorno de lo idéntico”: tiene una importancia especial. En ella Zaratustra plantea la doctrina del “eterno retorno” y supone el final de la obra en su primer proyecto: el “eterno retorno” es la visión secreta de Zaratustra, su doctrina más preciada. Nietzsche expone esta doctrina empleando gran cantidad de símbolos y discursos alegóricos (en especial, los titulados “De la visión y el enigma”, que constituye una síntesis de toda la obra, y “Los siete sellos”) de tono apocalíptico y de una gran belleza lírica.
Cuarta parte: “Necesidad de los superhombres”: presenta a un Zaratustra anciano y desanimado ante el fracaso de su tarea, pero que todavía tiene la fuerza suficiente para reivindicar la necesidad de aquellos que denomina “hombres superiores”. Éstos serán los únicos que podrán comprender su doctrina y vivir según la filosofía que Nietzsche representa: son los verdaderos “superhombres”, que habrán anulado la mediocridad de la cultura occidental y constituirán una nueva clase de filósofos.
Primer movimiento:
Segundo movimiento:
Tercer movimiento:
Cuarto movimiento:
Quinto movimiento:
2 Información sobre Lang Lang.
Lang Lang (Shenyang, China; 14 de junio de 1982) es un pianista chino.
Comenzó a tomar lecciones de piano a la edad de 3 años. A los 5 años ganó el Concurso de Piano de Shenyang y tocó en su primer recital público. Entró en el Conservatorio Central de Música de Pekín cuando tenía 9 años. A la edad de 11 años, ganó el primer premio por la actuación artística destacada en el Cuarto Concurso Internacional de Jóvenes Pianistas en Alemania. En 1995, a los 13 años de edad, tocó completos los 24 Estudios de Chopin en el Pekín Concert Hall y ganó el primer premio en el Concurso Internacional de Jóvenes Músicos de Tchaikovsky en Japón, donde tocó el Concierto para Piano n.° 2 de Chopin con la Orquesta Filarmónica de Moscú en un concierto retransmitido por la cadena de televisión NHK. A los 14 años aparece como solista en el concierto inaugural de la Sinfónica Nacional de China. Al año siguiente comenzó a estudiar con Gary Graffman en el Instituto Curtis en Filadelfia.
3 Lo que expresa 'Así habló Zaratustra'.
Así habló Zarathustra (título original en alemán Also sprach Zarathustra) es un poema sinfónico compuesto por Richard Strauss en 1896. El autor se inspiró en la obra homónima del filósofo Nietzsche.
Primera parte: “La muerte de Dios”: en ella, habla de tres figuras fundamentales del espíritu: el camello (que soporta el dominio de la moral), el león (que crea una nueva moral) y el niño (que crea nuevos valores mediante el juego); asimismo, propone la necesidad de considerar las virtudes tradicionales como “adormideras”, que impiden ver los valores verdaderos y reivindica la necesidad de imaginar el nuevo sujeto humano como alguien que se atreve a experimentar.
Segunda parte: “La voluntad de poder”: relata la segunda bajada de Zaratustra y expone una nueva serie de discursos que tienen como tema central la “voluntad de poder”, atacando a quienes se oponen a la voluntad creadora de una moral autónoma. Al final de esta parte aparece la visión del “eterno retorno de las cosas”, que aterroriza a Zaratustra por su radicalidad y es, junto a la “voluntad de poder”, uno de los núcleos de su filosofía. Pero esta segunda parte termina también con un fracaso: Zaratustra regresa a su montaña, incomprendido por los hombres que no entienden cuanto dice y se ríen de él.
Tercera parte: “El eterno retorno de lo idéntico”: tiene una importancia especial. En ella Zaratustra plantea la doctrina del “eterno retorno” y supone el final de la obra en su primer proyecto: el “eterno retorno” es la visión secreta de Zaratustra, su doctrina más preciada. Nietzsche expone esta doctrina empleando gran cantidad de símbolos y discursos alegóricos (en especial, los titulados “De la visión y el enigma”, que constituye una síntesis de toda la obra, y “Los siete sellos”) de tono apocalíptico y de una gran belleza lírica.
Cuarta parte: “Necesidad de los superhombres”: presenta a un Zaratustra anciano y desanimado ante el fracaso de su tarea, pero que todavía tiene la fuerza suficiente para reivindicar la necesidad de aquellos que denomina “hombres superiores”. Éstos serán los únicos que podrán comprender su doctrina y vivir según la filosofía que Nietzsche representa: son los verdaderos “superhombres”, que habrán anulado la mediocridad de la cultura occidental y constituirán una nueva clase de filósofos.
lunes, 26 de enero de 2015
Las cuatro estaciones (La Primavera), Vivaldi.
Vivaldi es el mejor representante de la música instrumental
veneciana, siempre más colorista y sensual. Utiliza frecuentemente instrumentos
de viento; pero incluso cuando compone solo para el violín y su familia (como es el caso de esta pieza, Las
cuatro estaciones) lo hace de manera muy viva y refinada. Es un gran músico,
algunos de cuyos conciertos para violín fueron adaptados por Bach para el clave
o el órgano. Esta pieza fue escrita a mediados del siglo XVIII.
Las texturas que utiliza son la melodía acompañada y el bajo continuo; el clave es el instrumento que hace el bajo continuo. El instrumento solista es el violín, pero aparecen más instrumentos en la orquesta todos ellos de la familia de cuerda (violín, violonchelo y contrabajo)
La melodía es sencilla, repetitiva, sin grandes saltos y muy emotiva. El ritmo también es sencillo, con una célula rítmica sencilla. El compás es binario y la armonía tonal. Utiliza la forma musical concierto (los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan
en una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza)
La pieza está dividida en dos movimientos, el primero rápido y el segundo muy lento.
Comparación de versiones (Canarios, Gaspar Sanz)
La primera es una versión mucho más popular, con elementos añadidos como las castañuelas, las palmas, el cajón o el violonchelo; instrumentos que no están en la partitura y que el autor decide añadir por su cuenta. Hay una parte en la que se escuchan todos estos a la vez y más alto, lo que la hace más animada y divertida. Además, los instrumentistas aportan la sensación de estar disfrutando de la pieza.
En cambio, la segunda versión, tiene una apariencia mucho más seria y formal, además es tocada tan solo por el guitarrista, sin ninguna clase de acompañamiento y sin variaciones a lo largo de la pieza; se rige mucho a la partitura inicial. Mientras que el primero la toca en una sala, en esta segunda versión lo hace en una iglesia, intentando acercarse todo lo posible al sonido de la época, por lo que el sonido suena de manera diferente.
Primera versión (Enrike Solinís): https://www.youtube.com/watch?v=vgt4jVbd8SI
Segunda versión (Diogo Rodrigues): https://www.youtube.com/watch?v=BC7JNE8TdmY
En cambio, la segunda versión, tiene una apariencia mucho más seria y formal, además es tocada tan solo por el guitarrista, sin ninguna clase de acompañamiento y sin variaciones a lo largo de la pieza; se rige mucho a la partitura inicial. Mientras que el primero la toca en una sala, en esta segunda versión lo hace en una iglesia, intentando acercarse todo lo posible al sonido de la época, por lo que el sonido suena de manera diferente.
Primera versión (Enrike Solinís): https://www.youtube.com/watch?v=vgt4jVbd8SI
Segunda versión (Diogo Rodrigues): https://www.youtube.com/watch?v=BC7JNE8TdmY
viernes, 23 de enero de 2015
Domenico Scarlatti: Essercizi nº 30 (Fuga en Sol menor)
Alessandro Scarlatti fue un célebre compositor italiano que
jugó un papel fundamental en la historia de la música, principalmente en el
desarrollo del lenguaje de la ópera. Domenico Scarlatti, su hijo, y el autor de esta pieza fue un
compositor italiano de música barroca afincado en España, donde compuso casi
todas sus sonatas para clavicémbalo, por las que es universalmente reconocido.
La fuga es una técnica de composición cuyos resultados formales no
están fijados; cada fuga difiere de las demás en el orden de presentación de
las voces, la longitud, y la disposición interna de sus elementos.
En esta pieza se utiliza el contrapunto imitativo. El tema se expone, se desarrolla, y se reexpone después.
La pieza es interpretada por un clave,instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas. Este fue muy conocido y utilizado durante el Barroco, pero fue cayendo en el olvido y la mayoría de piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado de nuestro piano actual.
La melodía es muy repetitiva y pegadiza, y el ritmo va de sonidos muy largos a cada vez más cortos. La armonía es tonal y la forma musical sonata.
Domenico Scarlatti:
Clave barroco:
Gaspar Sanz: Canarios
Gaspar Sanz, autor de esta pieza, es un compositor y organista español. Publicó su ‘Insurrección de música
sobre guitarra española’, compuesta por danzas cortesanas y populares, la
mayoría muy típicamente españolas.
Esta pieza
está interpretada por una guitarra barroca, La guitarra barroca es una guitarra
de la época barroca, un antepasado de la guitarra clásica moderna.
El término
también se utiliza para instrumentos modernos realizados en este estilo.El
instrumento era más pequeño que una guitarra moderna, de una construcción más
ligera, y empleaba cuerdas de tripa. Los trastes eran también generalmente de
intestino, y se ataban alrededor del mango. Un instrumento típico tenía cinco
órdenes, cada uno formado por dos cuerdas separadas, aunque el primer orden (de
sonido más alto) era a menudo de una sola cuerda, dando un total de nueve o
diez cuerdas.
La textura de esta pieza es melodía acompañada, aparece también un desarrollo de acordes a través de rasgueos con la mano derecha. La melodía es variada, y el ritmo típicamente español, ritmo que se mantiene actualmente en el flamenco. Estructura fija del ritmo, ritmo hemiolia. Hay dos pulsos en subdivisión ternaria y tres pulsos en subdivisión binaria al doble de velocidad. Alterna dos compases, 6/8 y 3/4. La armonía es tonal, está completamente desarrollada y la forma musical es canarios.
Gaspar Sanz:
Boca de la guitarra barroca:
Audios:
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