La música de vanguardia española: La generación del 51.

Por generación del 51 se conoce al grupo de compositores nacido entre 1924 y 1938, que definió en España la modernidad en el campo de la música, tras la estética nacionalista de principios de siglo. Centrados en Madrid y Barcelona, aquel movimiento tuvo en cierto mimetismo con la plástica. Efectivamente, a partir de 1948 proliferaron los grupos de pintura, Salones de los Once, Academia Breve de Crítica de Arte, Grupo Pórtico, Dau al Set, Escuela de Altamira, Escuela de Vallecas, Escuela de Madrid, El Paso, etc.; y los primeros movimientos musicales (como el círculo Manuel de Falla o Juventudes Musicales) surgieron desde la vorágine de creación de grupos plásticos.
Algunos de los compositores más destacados son los siguientes:
Juan Hidalgo: de origen canario, fue discípulo de John Cage. Es miembro de un grupo llamado Zaj, grupo musical de vanguardia español, creado en el año 1964 por los compositores españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce (creador del sistema de niveles) y por el compositor italiano Walter Marchetti. Aunque se barajó la teoría de que su nombre se debe a la inversión de la palabra jazz, en realidad Zaj supone la combinación de tres fonemas característicos del castellano.
Carmelo Bernaola: evolucionó del atonalismo y serialismo hasta los años setenta que crea su propio lenguaje. Una de sus piezas más destacadas es 'Fantasías'.
Luis de Pablo: fue un autodidacta que hacía obras de gran originalidad, entre las cuales destaca 'Chamber Concerto'.
Cristóbal Halttler: fue el director del conservatorio de Madrid.

Postserialismo: Indeterminación y aleatoriedad. Nuevas grafías musicales.

El serialismo es una técnica de composición musical surgida en el siglo XX. Tiene sus orígenes en el dodecafonismo de Arnold Schönberg, aunque abarca posibilidades creativas más amplias.La distinción fundamental entre el serialismo y el dodecafonismo estriba en que el principio serial se puede aplicar a varios parámetros musicales (ritmo, dinámica, timbre, etc.), y no sólo a la altura de las notas, como sugería la propuesta dodecafónica original. El postserialismo es la continuación de este movimiento.
En Italia lo llevó a cabo Luigui Dallapicola, un importante compositor y pianista italiano. Fue el primer compositor italiano, a finales de los 1930, en abrazar la dodecafonía. Sus composiciones se caracterizan por un intenso lirismo y unos profundos contenidos espirituales e idealistas.
En Inglaterra lo llevó a cabo Edwar Elgar, autor de estilo romántico que siguió la linea de Brahms y Britten.
El serialismo se llevó a cabo con cosas que antes no eran muy utilizadas y por lo tanto no era aceptado por el público. Estaba evolucionando en distintas direcciones con composiciones muy personales.
Otro compositor destacado fue Lutosvlasky, que fue uno de los compositores europeos más importantes del siglo XX. Posiblemente es el compositor polaco más importante después de Chopin, y fue el músico más eminente de su país en las tres últimas décadas del siglo. En vida obtuvo una gran cantidad de premios internacionales, incluyendo el Orden del Águila Blanca, el honor más alto de Polonia.
De las nuevas tendencias tres fueron las principales: música electrónica, indeterminación aleatoria (casi todo depende de secciones en las que se pude emplear la improvisación) y especulación matemática.
Destacan piezas como 'Symphony nº3', de Lutosvlasky o 'Repertorie aus Staatstheater' de Mauricio Kagel.

Música electroacústica y música concreta.

La música electroacústica surge como una forma de música clásica durante su época moderna como consecuencia de la incorporación de la producción de sonido eléctrico como parte de la composición musical. Los primeros desarrollos de la composición de música electroacústica durante el siglo XX están asociados con la actividad de compositores que trabajaban en estudios de investigación en Europa y Estados Unidos.
Se puede definir de dos maneras principalmente: la primera; el término "música electroacústica" designa todo tipo de música en la cual la electricidad tiene un rol que va más allá de la amplificación y la producción de esta música, y la segunda; todo lo que utiliza la conversión de una señal acústica en una señal eléctrica y viceversa.
Destacan Sockhausen y Steve Reich. Una de las piezas más destacadas del último es 'Music for 18 musicians' https://www.youtube.com/watch?v=gCkd46hcRag)
Karlheinz Stockhausen nació el veintidós de agosto de 1928 y murió el cinco de diciembre de 2007. Fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.
Stephen Michael Reich nació Nueva York el tres de octubre de 1936. Es un compositor estadounidense. Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass.
Una de sus piezas más destacadas es la llamada 'Hymnen'.

Los fundamentos teóricos y estéticos de la música concreta fueron hechos por Pierre Schaeffer. Está ligada a la aparición de dispositivos que permitieron tratar los sonidos de manera separada y manipulándolos.
Schaeffer fue un compositor y teórico francés, reconocido como el originador de la música concreta. Realizó 'Cinco estudios sobre ruidos'.

El serialismo integral en Europa.

El serialismo integral surgió a mediados del siglo XX. Representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creado por Anton Weber. El serialismo integral establece un orden para la sucesión de los sonidos a partir de diferentes cualidades del sonido, creando series que deben respetarse a lo largo de la obra.La técnica se ha llamado serialismo integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo.
Esta técnica supuso uno de los avances más radicales del siglo XX; incluye parte del atonalismo pero es un sistema ordenado.
Destacan compositores como Stockhausen y Oliver Messiaen.
Karlheinz Stockhausen nació el veintidós de agosto de 1928 y murió el cinco de diciembre de 2007. Fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.
Es conocido por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en música electroacústica, música aleatoria y composición serial.
Olivier Messiaen nació el diez de diciembre de 1908 y murió el veintisiete de abril de 1992. Fue un compositor, organista y ornitólogo francés. Ingresó en el Conservatorio de París a la edad de once años, y tuvo como profesores a Paul Dukas, Marcel Dupré, Maurice Emmanuel y Charles-Marie Widor. Fue designado organista en la Iglesia de la Santa Trinidad de París en 1931, puesto que ocupó hasta su muerte.
La música de Messiaen es rítmicamente compleja (él estaba interesado en los ritmos de la antigua Grecia y de orígenes hindúes), y se basa armónica y melódicamente en los modos de transposición limitada, que fueron una innovación propia de Messiaen. Muchas de sus composiciones representan lo que él llamó «los aspectos maravillosos de la fe», mostrando su inquebrantable catolicismo.
Messiaen estaba fascinado por el «canto de los pájaros»; decía que los pájaros eran los mejores músicos y se consideraba a sí mismo tanto ornitólogo como compositor. Transcribía el canto de los pájaros en sus viajes por todo el mundo, e incorporó las transcripciones de estos cantos en gran parte de su música.

La música utilitaria.

Gebrauchsmusik es un término alemán, que esencialmente significa "música utilitaria", que se utiliza para la música que existe no sólo por sí misma, sino que fue compuesta con alguna finalidad específica, identificable. Este propósito puede ser un acontecimiento histórico particular, como un acto político o de una ceremonia militar, o puede ser más general, como con la música escrita para acompañar la danza o la música escrita para ser interpretada por aficionados o estudiantes.
El compositor Paul Hindemith es probablemente la figura más identificada con esta expresión, que parece haber sido acuñada, no en el ámbito de la composición sino en el de la musicología. La trayectoria de este compositor puede dividirse en dos etapas.
Características de la primera etapa de Hindemith:
-Atonalidad ocasional.
-Investigación rítmica.
-Uso de tonalidad y politonalidad con carácter burlesco. 
Características de la segunda etapa de Hindemith:
-Tonal pero no diatónica.
-Modulación.
-Doce notas de la escala cromática.
Dentro de la música contemporánea, esta es la más fácil de escuchar. 
Destaca una composición de Paul Hindemith, llamada Pioner Musiktag (https://www.youtube.com/watch?v=YR-JnB5goc4) compuesta para un campamento de niños.

El dodecafonismo.

El dodecafonismo o música Dodecafónica, que significa música de doce tonos, es una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las doce notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que no establece jerarquía entre las notas. La música tradicional y popular actual suele ser tonal, y por lo tanto tener una nota de mayor importancia, respecto a la cual gravita una obra. Cualquier sistema tonal implica que unas notas se utilizan mucho más que otras en una melodía. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica, Schonberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra. Históricamente, procede de manera directa del "atonalismo libre", y surge de la necesidad que había a principios del siglo XX de organizar coherentemente las nuevas posibilidades de la música y enfocarla a nuevas sensibilidades emergentes.
Schonberg escribió durante algún tiempo en secreto porque la música que componía no era aceptada por el público de la época, hasta crear el esquema dodecafónico. Quería demostrar que el nuevo sistema era útil y lo plasmó en una obra llamada 'variaciones para la orquesta'.
Tras la muerte de Schomberg surgieron dos figuras importantes en torno a éste: Weber y Berg.
Berg escribió Wozzeck entre 1917 y 1921, obra que supuso un gran choque para el público de la época.
La serie dodecafonista se basaba en las viejas técnicas de contrapunto.
Tipos de series:
-Básica.
-Retrograda (se leía al revés; la primera nota era la última y la última la primera)
-Inversa (los mismos tonos pero cambiando de descendencia ascendencia o viceversa)
-Inversa retrograda.
Dentro del dodecafonismo destacan piezas como Pierrot lunaire, de Schomberg (https://www.youtube.com/watch?v=veUJxETj7-c). Pierrot Lunaire es una obra llena de contradicciones: los instrumentistas, por ejemplo, son solistas y parte de la orquesta a la vez; Pierrot es héroe y tonto, actúa en un drama que es también una pieza de concierto, hace parecer el cabaret como un arte elevado y viceversa; utiliza canciones que son también discursos; su rol masculino es cantado por una mujer que alterna entre la primera y tercera persona.

Teatro musical europeo y americano a comienzos del siglo XX. Origen y desarrollo de la música de jazz.

TEATRO MUSICAL EUROPEO Y AMERICANO A COMIENZOS DEL SIGLO XX.

El teatro musical es una forma de teatro que combina canciones, diálogos hablados, actuación y baile. La historia y el contenido emocional de la pieza se comunican a través de las palabras, la música, el movimiento y los aspectos técnicos de la animación como en un todo integrado.

Este género renació como se conoce hoy en día en la Europa del siglo XIX  como una variante de la opereta, aunque en los diferentes países europeos existía teatro musical con diferentes estilos: zarzuela, género chico y comedia musical en España, ópera cómica y music hall en Inglaterra u operette en Francia. Mucho después, durante la primera mitad del siglo XX, se desarrolló en Estados Unidos, país donde ha registrado el máximo desarrollo.

Desde este siglo, el teatro musical y las obras escénicas en general han sido llamados, simplemente, los musicales.

-Años veinte.

Los musicales de los años veinte tendían a acentuar a las estrellas, a las grandes rutinas de bailes y canciones populares y no así al argumento. Muchos de los espectáculos eran revistas o sucesiones de sketches y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos.

Típicas de la década fueron producciones ligeras como Sally; Lady Be Good o Sunny, entre otras. Pese a que los libretos de estos espectáculos careciesen de consistencia, permitieron el lucimiento de estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire, y generaron decenas de canciones populares que pasaron a la historia del musical.

Más allá de estos musicales y las operetas sentimentales de la década, Show Boat, estrenada en Nueva York, supuso un punto de inflexión al integrar plenamente música y libreto, narrando la historia a través de las canciones.

-Años treinta.

La Gran Depresión afectó al público teatral tanto europeo como americano, ya que la gente tenía poco dinero para gastar en entretenimiento. Sólo unos cuantos espectáculos superaron una permanencia en Broadway o en Londres de 500 representaciones durante la década.

Destacan espectáculos como Of Thee I Sing (sátira política, primer musical galardonado con el Premio Pulitzer) y As Thousands Cheer (primer espectáculo de Broadway en el que una persona afroamericana fue protagonista junto a actores blancos)

A pesar de los problemas económicos de esta época y la competencia del cine, el género musical sobrevivió. De hecho, el teatro musical comenzaba a evolucionar más allá de los coristas musicales de décadas anteriores y el romance sentimental del género de la opereta.

ORIGEN Y DESARROLLO DE LA MÚSICA DE JAZZ.

El jazz tiene sus orígenes en las canciones de trabajo de los esclavos negros de los Estados Unidos y en los cantos colectivos de carácter religioso. Su fórmula más característica de expresión era el blues, una composición de doce compases repartidos en tres frases de cuatro compases cada una.

La interpretación del jazz está fundamentada en la improvisación, ya que de nada hubiera servido escribir con precisión lo que cada cual debía tocar, ya que no sabían leer música.

Un aspecto esencial de la música de jazz es el ritmo, protagonista permanente junto con el swing, que consiste en todo un conjunto de factores psicológicos, ambientales, de ritmo, de fraseo, de velocidad…, que, en suma, distingue a las bunas interpretaciones.

Hacia 1870 apareció el rag-time, característico de la imitación que los blancos hicieron de la original música popular negra, que alcanzó un extraordinario éxito en América y Europa durante las primeras décadas del siglo XX.

Los músicos negros se ganaban la vida de maneras diversas como, por ejemplo, formando pequeñas bandas que recorrían las calles acompañando los entierros hasta el cementerio.

El jazz se fue perfilando como una mezcla de elementos característicos  del África negra y fórmulas e instrumentos propios de la cultura musical europea; todo ello matizado por la dura situación social del negro de América.

A principios del siglo XX se formaron en Nueva Orleans lo que propiamente puede llamarse ya los primeros conjuntos de jazz. A principios de los cuarenta el jazz ya es un fenómeno aceptado y escuchado por cada vez más amplios sectores.

Destaca Miles Davis; fue un trompetista y compositor estadounidense de jazz; se trata de una de las figuras más relevantes e influyentes de la historia del jazz, junto con artistas como Louis Armstrong o John Coltrane. Su carrera se caracterizó por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos.

So What es un tema especial, por su conocidísimo riff inicial de contrabajo, su armonía modal y su estructura AABA de treinta y dos compases.