La escenografía se compone de todos los elementos visuales que conforman una escenificación, sean corpóreos (decorado, accesorios), la iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería); ya sea la escenificación destinada a representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos. El escenógrafo es el encargado de estos diseños y decorados.
El objetivo de la escenografía es transmitir con imágenes lo que se pretende contar.
Cualquier actividad que se realice a fin de ser observada puede ser considerada un espectáculo. En él se utilizar artificios que complementan la comunicación, el mensaje artístico.
El espectáculo posee dos factores principales:
1.La persona o personas encargadas de realizar el espectáculo.
2.El espectador.
Además, podemos distinguir diferentes tipos de puestas en escena:
1. Representaciones en vivo (teatro, danza, óperas...)
2. Representaciones cinematográficas, audovisuales...
En cualquier espectáculo hay detrás un director que dirige a un gran equipo y que es fundamental, ya que gracias a él la información llega al espectador de manera más clara y concisa.
Estos espectáculos y escenografías han mejorado muchísimo a lo largo del tiempo, gracias a la aparición de nuevas tecnologías.
Anteriormente se utilizaban velas para la iluminación, pólvora para los efectos especiales, las personas tiraban de cuerdas para conseguir el movimiento del decorado o los personajes... En cambio, actualmente las nuevas tecnologías han permitido tener más y mejores efectos especiales; entre ellos fundamentales las luces, que ayudan a que la puesta en escena sea mucho más impresionante.
En este espectáculo de danza podemos observar todo lo mencionado anteriormente: https://www.youtube.com/watch?v=R6WoxOHThII
jueves, 28 de mayo de 2015
miércoles, 27 de mayo de 2015
La música en España a finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. La generación del 98 y la música. La generación del 27. La música escénica. Ópera y zarzuela.
LA MÚSICA EN ESPAÑA A FINALES DEL XIX Y LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX.
Hasta 1850 nuestra música está en grave decadencia, asfixiada por la influencia italianizante. A partir de esta época hay una reacción castiza contra lo extranjero:
1. Se pretende la creación de un teatro lírico auténticamente español: Fracasa la ópera española, pero hay enormes aciertos en un género menor en principio, la zarzuela.
2. Se intenta esclarecer nuestro pasado musical, totalmente ignorado: Se escribe la primera historia de la música española y se publican algunas obras de nuestros polifonistas religiosos o profanos.
Pero la sociedad española, que no ha recibido una buena educación musical
desprecia lo que ignora y no facilita un arte nacional. A pesar de que España está de moda en el romanticismo europeo y en sus novelas (Carmen de Merimee, Carmen de Bizet…), España se incorpora tardíamente al romanticismo europeo; no hay buena música sinfónica. También fueron escasas las manifestaciones en cuanto a instrumentos aislados o música de cámara.
LA GENERACIÓN DEL 98 Y LA MÚSICA.
La generación del 98 supone en España una toma de posición crítica y nacionalista. El hombre que consigue dotar a la música española de un verdadero sentido nacional es el catalán Pedrell, estudioso del canto popular y de nuestro pasado histórico. Infatigable escritor, compositor y polemista, su célebre manifiesto “por nuestra música “, hizo posible la música española de la primera mitad del siglo XX.
Como los hombres de la generación del 98, con él la música española ahondaba en nuestra esencia nacional.Y muy pronto España aparecieron tres compositores muy destacados: Albeniz, Granados y Falla.
LA GENERACIÓN DEL 27.
También llamada generación de la República. Estas denominaciones han sido hechas a posteriori, pues no hubo, en general, conciencia de tal generación.
El tema andaluz, que desde el romanticismo era consustancial con lo español, es prácticamente agotado con Falla y su generación; va a ser abandonado progresivamente a favor de manifestaciones de otras regiones españolas como el País Vasco: Guridi (Amaya, El Caserío). Pero hay cierta preponderancia de lo mediterráneo en el foco valentino-catalán. Destacan compositores como:
Turina, sevillano, es el único de la generación de Falla que puede resistir cierta comparación, siempre dentro de límites muy locales (La Procesión del Rocío, Canto a Sevilla).
Los Halffter. Ernesto es el continuador de la obra de Falla, dedicó gran parte de su vida a la terminación de la Atlántida. Sus obras más conocidas son el ballet Sonatina y la canción La corza blanca, de impresionante belleza. Rodolfo, su hermano, busca un camino más independiente, que en su exilio mexicano le llega a conducir hasta el atonalismo (Sonatas de El Escorial). Forma parte de una generación, la de la República, que la guerra civil destroza y que aún hoy desconocemos en gran parte, lamentablemente
Rodrigo, valenciano, es el autor favorito de la posguerra. Un neoclasicismo castizo le inspira El Concierto de Aranjuez, para guitarra y orquesta. Autor de conciertos para diversos instrumentos y de deliciosas y decimonónicas canciones.
Ciertos compositores fueron desligándose poco a poco del mero nacionalismo a lo Pedrell y preconizaron una modernización del lenguaje. La guerra civil, el exilio de muchos, la muerte de Falla en el extranjero…significó una ruptura indudable en la evolución de la música española.
LA MÚSICA ESCÉNICA, ÓPERA Y ZARZUELA.
Hasta 1850 nuestra música está en grave decadencia, asfixiada por la influencia italianizante. A partir de esta época hay una reacción castiza contra lo extranjero:
1. Se pretende la creación de un teatro lírico auténticamente español: Fracasa la ópera española, pero hay enormes aciertos en un género menor en principio, la zarzuela.
2. Se intenta esclarecer nuestro pasado musical, totalmente ignorado: Se escribe la primera historia de la música española y se publican algunas obras de nuestros polifonistas religiosos o profanos.
Pero la sociedad española, que no ha recibido una buena educación musical
desprecia lo que ignora y no facilita un arte nacional. A pesar de que España está de moda en el romanticismo europeo y en sus novelas (Carmen de Merimee, Carmen de Bizet…), España se incorpora tardíamente al romanticismo europeo; no hay buena música sinfónica. También fueron escasas las manifestaciones en cuanto a instrumentos aislados o música de cámara.
LA GENERACIÓN DEL 98 Y LA MÚSICA.
La generación del 98 supone en España una toma de posición crítica y nacionalista. El hombre que consigue dotar a la música española de un verdadero sentido nacional es el catalán Pedrell, estudioso del canto popular y de nuestro pasado histórico. Infatigable escritor, compositor y polemista, su célebre manifiesto “por nuestra música “, hizo posible la música española de la primera mitad del siglo XX.
Como los hombres de la generación del 98, con él la música española ahondaba en nuestra esencia nacional.Y muy pronto España aparecieron tres compositores muy destacados: Albeniz, Granados y Falla.
LA GENERACIÓN DEL 27.
También llamada generación de la República. Estas denominaciones han sido hechas a posteriori, pues no hubo, en general, conciencia de tal generación.
El tema andaluz, que desde el romanticismo era consustancial con lo español, es prácticamente agotado con Falla y su generación; va a ser abandonado progresivamente a favor de manifestaciones de otras regiones españolas como el País Vasco: Guridi (Amaya, El Caserío). Pero hay cierta preponderancia de lo mediterráneo en el foco valentino-catalán. Destacan compositores como:
Turina, sevillano, es el único de la generación de Falla que puede resistir cierta comparación, siempre dentro de límites muy locales (La Procesión del Rocío, Canto a Sevilla).
Los Halffter. Ernesto es el continuador de la obra de Falla, dedicó gran parte de su vida a la terminación de la Atlántida. Sus obras más conocidas son el ballet Sonatina y la canción La corza blanca, de impresionante belleza. Rodolfo, su hermano, busca un camino más independiente, que en su exilio mexicano le llega a conducir hasta el atonalismo (Sonatas de El Escorial). Forma parte de una generación, la de la República, que la guerra civil destroza y que aún hoy desconocemos en gran parte, lamentablemente
Rodrigo, valenciano, es el autor favorito de la posguerra. Un neoclasicismo castizo le inspira El Concierto de Aranjuez, para guitarra y orquesta. Autor de conciertos para diversos instrumentos y de deliciosas y decimonónicas canciones.
Ciertos compositores fueron desligándose poco a poco del mero nacionalismo a lo Pedrell y preconizaron una modernización del lenguaje. La guerra civil, el exilio de muchos, la muerte de Falla en el extranjero…significó una ruptura indudable en la evolución de la música española.
LA MÚSICA ESCÉNICA, ÓPERA Y ZARZUELA.
A pesar del intento de creación de un teatro lírico nacional, la ópera española fracasa. Nuestra burguesía obliga a los compositores a escribir óperas en italiano, y sólo permite el cultivo de la zarzuela.
La zarzuela es una especie de teatro ligero, sin grandes pretensiones literarias, y en el cual lo nacionales resuelve mediante la alusión folklórica. La zarzuela grande cae con frecuencia en la estructura de la ópera italiana. Se alternan partes habladas y partes cantadas.
Destacan piezas como El sombrero de tres picos, de Falla; en composición de la orquesta reúne las maderas en grupos de a dos, con flautín y corno inglés, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones y tuba, arpa, celesta, piano, timbales, percusión y cuerdas. Los instrumentos se integrarán poco a poco en la acción.
Otra pieza destacada de este mismo autor es Concerto. En el tercer movimiento el clave plantea el tema principal, con la melodía De los álamos, y se configura mediante cánones, algunos contrapunteos y búsquedas semejantes.
La importancia de la música cinematográfica, publicitaria y de ambientación. La danza en el cine.
MÚSICA CINEMATOGRÁFICA.
Actualmente la música del cine está considerada como una industria propia. Esta industria ha sufrido una gran evolución desde las películas mudas y en blanco y negro.
Al principio se utilizaban distintos métodos:
1. Se ponían detrás de las cámaras y hacían ruidos.
2. Vitáfono: nuevo método inventado por Graham Bell que consistía en grabar la melodía en un disco y la película en otro, y después reproducirlos a la vez. Ejemplo: don Juan (primera película con banda sonora)
3. Photophone: consistía en transmitir la voz utilizando la luz, y fue inventado por el mismo que el vitáfono, Graham Bell.
Algunos de los compositores más destacados en música de cine son Jhon Williams (Tiburón y Star Wars, entre otras) y Ennio Morricone (La misión, entre otras)
Jhon Williams utiliza un método que consiste en modificar la intensidad y la velocidad para generar tensión e incluso miedo en sus piezas.
MÚSICA PUBLICITARIA.
Dentro de la música publicitaria lo más destacado es son los spots publicitarios. Casi todos estos tienen música, y no vale cualquiera, buscan incitar una emoción, pretenden que escuches la canción y la relaciones con el producto correspondiente. Hay varios tipos de música publicitaria.
1. Música de librería: consiste en coger una canción ya compuesta y ponerla en el anuncio directamente, tal y como es.
2. Música corporativa o jingles: consiste en componer una canción de corta duración que se pueda memorizar fácilmente. Un ejemplo de este tipo de música sería la que aparece en el anuncio de la marca Nocilla.
MÚSICA DE AMBIENTACIÓN.
La música de ambientación es aquella que se utiliza en los ascensores, tiendas, oficinas, centros comerciales o lugares similares, para ambientar el lugar, y en el caso de las tiendas, la usan en muchos casos con tácticas de marketing para incitar a comprar ciertos productos.
LA DANZA EN EL CINE.
Gracias a la danza en el cine se pueden expresar los estados de ánimo de los personajes, por lo tanto era utilizada con frecuencia en el cine mudo. Después, cuando nació el cine sonoro Al Jolson fue el primer actor en hablar y cantar en una película (El cantante de jazz)
Destaca Gene Kelly, un actor, cantante, bailarín, director y coreógrafo estadounidense.
También destaca Fellini, un director de cine y guionista italiano.
Es universalmente considerado como uno de los principales protagonistas en la historia del cine mundial. Ganador de cuatro premios Óscar por mejor película extranjera, en 1993 fue galardonado con un Óscar honorífico por su carrera.
Las primeras rupturas: Impresionismo, expresionismo y atonalidad libre.
IMPRESIONISMO.
Tras el Romanticismo, las respuestas a las sugestiones creadas por este movimiento fueron muy variadas. Unos asumen sus postulados de libertad fusionándolos con el despertar de los nacionalismos. Otros, reconociendo las novedades del lenguaje musical, se opusieron totalmente a sus posturas ideológicas: lo impresionistas y modernistas.
En Francia, con el establecimiento de la III República se produce una evolución económica que lleva a la imputación de un sistema capitalista. Surge cierto sentimiento de peligro originado en las crisis que se suceden ininterrumpidamente. Los continuos avances en todos los campos parecen responder al espíritu de crisis, al tiempo que provocan continuos cambios en las modas y en los criterios estéticos.
Con el impresionismo se quiere aprender la verdad de las cosas en su ambiente, reflejando las vibraciones sutiles que la cambiante luminosidad provoca a cada momento en los cuerpos. La supremacía de la luz sobre la materia se advierte en el abandono de las lineas netas y definidas .
Hablar de música impresionista es algo un tanto equivoco ya que el impresionismo es un movimiento pictórico y aplicar esto a la música puede suponer un riesgo de prejuicio. Sí podemos encontrar coincidencias al hablar de la finalidad perseguida por esta estética, al margen de los procedimientos de los que se valen cada rama artistica. La música y la pintura buscan igualmente la plasmación de lo fugaz. Se busca la sensación y la sugestión, la primera mediante combinaciones armónicas insólitas y la segunda a base de un gran cuidado en la instrumentación y en los efectos tímbricos.
La sugestión tímbrica, que constituye uno de los rasgos mas característicos del impresionismo, enlaza la música impresionista con el simbolismo literario. A finales del siglo XIX hubo una serie de músicos que convivieron con pintores impresionistas y poetas simbolistas por ello crearon una música asentada sobre picncipios nuevos, la música impresionista. El más directo antecedente es Gabriel Fauré que influirá tanto en Debussy como en Ravel.
EXPRESIONISMO Y ATONALIDAD LIBRE.
Sacudidos por acontecimiento de importancia mundial y testigos de un vertiginoso desarrollo científico y técnico, los artistas del siglo XX se ven obligados a buscar una forma de plasmar su visión personal de lo que les rodea y que el público pueda comprenderlo. El arte refleja fielmente la situación de cambio y en crisis a través de la rotura de la unidad artística que se conocía en los periodos anteriores. Se abandona el realismo, deja de copiar la naturaleza y comienza a crear realidades propias. Hacia 1911 se fragua en Alemania un nuevo estilo, el expresionismo, volcado hacia la interpretación subjetiva de la realidad, hacia la expresión abstracta del mundo interior del espíritu, prescindiendo de los datos de la realidad objetiva y creando obras de intensas connotaciones musicales.
En la música se fragua una revolución musical que es, por otra parte, completamente coherente debido a la situación a que se había llegado en las nuevas vías para el lenguaje musical con Debussy y otras compositores. Hay muchas tendencias de ruptura, Stravinsky fue uno de los compositores más importantes pero el que destruyó meticulosamente el gran soporte que, por encima de todo, había sostenido la música europea desde hacia tres siglos, el que rompió con la tonalidad fue Schonberg.
El expresionismo artístico aglutinó a un amplio sector de artistas alemanes en torne al grupo “Der blaue Reiter” unidos en la búsqueda de la superación de su propio capacidad expresiva para representar en forma mas absoluta su mundo interior.
Schoeberg renunció a la tonalidad como principio constructivo y poco a poco su obra se va orientando hacia la disolución completa de la relaciones tonales. Más tarde Schonberg abandona el sistema tonal, que con su jerarquia de sonidos había presidido la música europea desde finales del Renacimiento. Durante un tiempo recurrió a escribir música para poemas y depender de los textos para que la formaran y la articularan la música. Hasta que formó el dodecafónico.
Las primeras obras no tonales de Schoenberg se adscriben dentro del llamado “atonalismo libre”.
Podemos destacar piezas como 'Preludio a la siesta de un fauno', de Debussy, o Bolero, de Ravel.
En la primera de ellas el compositor utiliza una libertad formal y puntos de referencia para que el que escucha su música no se pierda. La textura es una melodía acompañada que va a ir moviéndose entre los instrumentos de la orquesta, en los que predomina el viento.
La pieza de Ravel podemos detacar que empieza con percusión, algo completamente nuevo en la época. La percusión realiza un acompañamiento igual en toda la obra, sin variaciones.
Tras el Romanticismo, las respuestas a las sugestiones creadas por este movimiento fueron muy variadas. Unos asumen sus postulados de libertad fusionándolos con el despertar de los nacionalismos. Otros, reconociendo las novedades del lenguaje musical, se opusieron totalmente a sus posturas ideológicas: lo impresionistas y modernistas.
En Francia, con el establecimiento de la III República se produce una evolución económica que lleva a la imputación de un sistema capitalista. Surge cierto sentimiento de peligro originado en las crisis que se suceden ininterrumpidamente. Los continuos avances en todos los campos parecen responder al espíritu de crisis, al tiempo que provocan continuos cambios en las modas y en los criterios estéticos.
Con el impresionismo se quiere aprender la verdad de las cosas en su ambiente, reflejando las vibraciones sutiles que la cambiante luminosidad provoca a cada momento en los cuerpos. La supremacía de la luz sobre la materia se advierte en el abandono de las lineas netas y definidas .
Hablar de música impresionista es algo un tanto equivoco ya que el impresionismo es un movimiento pictórico y aplicar esto a la música puede suponer un riesgo de prejuicio. Sí podemos encontrar coincidencias al hablar de la finalidad perseguida por esta estética, al margen de los procedimientos de los que se valen cada rama artistica. La música y la pintura buscan igualmente la plasmación de lo fugaz. Se busca la sensación y la sugestión, la primera mediante combinaciones armónicas insólitas y la segunda a base de un gran cuidado en la instrumentación y en los efectos tímbricos.
La sugestión tímbrica, que constituye uno de los rasgos mas característicos del impresionismo, enlaza la música impresionista con el simbolismo literario. A finales del siglo XIX hubo una serie de músicos que convivieron con pintores impresionistas y poetas simbolistas por ello crearon una música asentada sobre picncipios nuevos, la música impresionista. El más directo antecedente es Gabriel Fauré que influirá tanto en Debussy como en Ravel.
EXPRESIONISMO Y ATONALIDAD LIBRE.
Sacudidos por acontecimiento de importancia mundial y testigos de un vertiginoso desarrollo científico y técnico, los artistas del siglo XX se ven obligados a buscar una forma de plasmar su visión personal de lo que les rodea y que el público pueda comprenderlo. El arte refleja fielmente la situación de cambio y en crisis a través de la rotura de la unidad artística que se conocía en los periodos anteriores. Se abandona el realismo, deja de copiar la naturaleza y comienza a crear realidades propias. Hacia 1911 se fragua en Alemania un nuevo estilo, el expresionismo, volcado hacia la interpretación subjetiva de la realidad, hacia la expresión abstracta del mundo interior del espíritu, prescindiendo de los datos de la realidad objetiva y creando obras de intensas connotaciones musicales.
En la música se fragua una revolución musical que es, por otra parte, completamente coherente debido a la situación a que se había llegado en las nuevas vías para el lenguaje musical con Debussy y otras compositores. Hay muchas tendencias de ruptura, Stravinsky fue uno de los compositores más importantes pero el que destruyó meticulosamente el gran soporte que, por encima de todo, había sostenido la música europea desde hacia tres siglos, el que rompió con la tonalidad fue Schonberg.
El expresionismo artístico aglutinó a un amplio sector de artistas alemanes en torne al grupo “Der blaue Reiter” unidos en la búsqueda de la superación de su propio capacidad expresiva para representar en forma mas absoluta su mundo interior.
Schoeberg renunció a la tonalidad como principio constructivo y poco a poco su obra se va orientando hacia la disolución completa de la relaciones tonales. Más tarde Schonberg abandona el sistema tonal, que con su jerarquia de sonidos había presidido la música europea desde finales del Renacimiento. Durante un tiempo recurrió a escribir música para poemas y depender de los textos para que la formaran y la articularan la música. Hasta que formó el dodecafónico.
Las primeras obras no tonales de Schoenberg se adscriben dentro del llamado “atonalismo libre”.
Podemos destacar piezas como 'Preludio a la siesta de un fauno', de Debussy, o Bolero, de Ravel.
En la primera de ellas el compositor utiliza una libertad formal y puntos de referencia para que el que escucha su música no se pierda. La textura es una melodía acompañada que va a ir moviéndose entre los instrumentos de la orquesta, en los que predomina el viento.
La pieza de Ravel podemos detacar que empieza con percusión, algo completamente nuevo en la época. La percusión realiza un acompañamiento igual en toda la obra, sin variaciones.
martes, 26 de mayo de 2015
La música y danza popular moderna: Pop, Rock.
La música popular comprende un conjunto de géneros musicales que resultan atractivos para el gran público y que generalmente son distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la música. Es una música que tiene un carácter internacional.
Danza moderna.
Expresión corporal artística que nace de la interpretación y visión del bailarín o coreógrafo. Este tipo de danza rompe con el ballet clásico.
La danza moderna surge en un ambiente de cambios drásticos. Los bailarines, tanto en Europa como en Estados Unidos, comenzaron a experimentar con nuevas formas de danza que no respondían a ninguna regla establecida.
El pop.
El pop empezó en Inglaterra durante el siglo XX en la década de los 60. Es un género musical que utiliza la instrumentación y tecnología para su creación. Modo sencillo, pegadizo y melódico.
Destaca Michael Jackson; conocido como el 'Rey del Pop', sus contribuciones a la música y el baile, así como su publicitada vida personal, le convirtieron en una figura internacional en la cultura popular durante más de cuatro décadas, siendo reconocido como la estrella de la música pop más exitosa a nivel mundial.
También destaca el grupo 'The Beatles', una banda de rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista).
Una de sus piezas más destacadas es Let it be. La canción comienza con una breve introducción en piano a la cual se suman las voces. Este sencillo arreglo ayuda a que se preste mayor atención a la lírica que al acompañamiento. Let It Be cuenta con un breve intermedio musical donde luce mucho el solo de la guitarra y el acompañamiento de los demás instrumentos, el piano que figuraba a un inicio ha desaparecido casi por completo.
El rock.
El rock es un género musical que surge en Estados Unidos en la década de los 50, que evolucionó hacia una variedad de estilos a partir de la década siguiente. Su forma originaria rock and roll proviene de una combinación de rhythm and blues y contry.
Destaca Elvis Presley,un cantante y actor estadounidense y de los más populares del siglo XX, considerado como un icono cultural. Se hace referencia a él frecuentemente como 'el Rey del rock and roll' o simplemente 'el Rey'. Una de sus piezas más destacadas es Rock de la cárcel, una canción muy pegadiza y con una melodía clara, rápida y repetitiva.
Danza moderna.
Expresión corporal artística que nace de la interpretación y visión del bailarín o coreógrafo. Este tipo de danza rompe con el ballet clásico.
La danza moderna surge en un ambiente de cambios drásticos. Los bailarines, tanto en Europa como en Estados Unidos, comenzaron a experimentar con nuevas formas de danza que no respondían a ninguna regla establecida.
El pop.
El pop empezó en Inglaterra durante el siglo XX en la década de los 60. Es un género musical que utiliza la instrumentación y tecnología para su creación. Modo sencillo, pegadizo y melódico.
Destaca Michael Jackson; conocido como el 'Rey del Pop', sus contribuciones a la música y el baile, así como su publicitada vida personal, le convirtieron en una figura internacional en la cultura popular durante más de cuatro décadas, siendo reconocido como la estrella de la música pop más exitosa a nivel mundial.
También destaca el grupo 'The Beatles', una banda de rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista).
Una de sus piezas más destacadas es Let it be. La canción comienza con una breve introducción en piano a la cual se suman las voces. Este sencillo arreglo ayuda a que se preste mayor atención a la lírica que al acompañamiento. Let It Be cuenta con un breve intermedio musical donde luce mucho el solo de la guitarra y el acompañamiento de los demás instrumentos, el piano que figuraba a un inicio ha desaparecido casi por completo.
El rock.
El rock es un género musical que surge en Estados Unidos en la década de los 50, que evolucionó hacia una variedad de estilos a partir de la década siguiente. Su forma originaria rock and roll proviene de una combinación de rhythm and blues y contry.
Destaca Elvis Presley,un cantante y actor estadounidense y de los más populares del siglo XX, considerado como un icono cultural. Se hace referencia a él frecuentemente como 'el Rey del rock and roll' o simplemente 'el Rey'. Una de sus piezas más destacadas es Rock de la cárcel, una canción muy pegadiza y con una melodía clara, rápida y repetitiva.
Los cambios en el lenguaje musical.
Tras el Romanticismo se produce una revalorización de las cualidades del sonido (duración, altura, intensidad y timbre)
Dentro de estas cualidades destacan las variaciones que se producen en la altura, ya que en el siglo XIX se utilizaba para hacer las melodías y esto era lo más importante, mientras que en el siglo XX las eliminan, lo cual causa un gran impacto en el público. Los músicos comienzas a buscar sonidos nuevos, y se obsesionan con encontrar sonidos nunca escuchados antes, los cuales no podamos identificar con nada.
Este es un tema general que incluye varios otros: el impresionismo y el expresionismo, el dodecafonismo, la música utilitaria, el serialimo y el postserialimo.
El primero en romper con la tonalidad fue Shoenberg, reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas.
En el impresionismo las características principales fueron la libertad absoluta armónica y ritmicamente (respetando unos parámetros previamente fijados, pero manipulables en cualquier momento) y la experimentación fueron las dos características principales de este movimiento.
Stravinsky destaca en el impresionismo, un movimiento en el que se expresa la situación de cambio y en crisis, la realidad desde un punto subjetivo.
En la música utilitaria mencionamos a Hindemilh, considerado como uno de los compositores más influyentes de la primera mitad del siglo XX.
El serialismo es una técnica de composición musical surgida en el siglo XX. Tiene sus orígenes en el dodecafonismo de Arnold Schönberg, aunque abarca posibilidades creativas más amplias. Y por último, el postserialismo es la continuación de este movimiento.
Podemos destacar piezas como 'Preludio a la siesta de un fauno', de Debussy, o Bolero, de Ravel.
En la primera de ellas el compositor utiliza una libertad formal y puntos de referencia para que el que escucha su música no se pierda. La textura es una melodía acompañada que va a ir moviéndose entre los instrumentos de la orquesta, en los que predomina el viento.
La pieza de Ravel podemos detacar que empieza con percusión, algo completamente nuevo en la época. La percusión realiza un acompañamiento igual en toda la obra, sin variaciones.
Podemos destacar otra pieza de Bartók 'Música para cuerda, percusión y celesta. La celesta es un instrumento musical de percusión, con la apariencia de un pequeño piano vertical.
En esta obra la melodía se presenta y se va estructurando en varios bloques. La intensidad es uno de los parámetros más importantes, ya que va aumentando a lo largo de la obra, hasta que llega a su parte culminante. Además Bartók mezcla muchas texturas diferentes, algo típico en la música contemporánea.
Dentro de estas cualidades destacan las variaciones que se producen en la altura, ya que en el siglo XIX se utilizaba para hacer las melodías y esto era lo más importante, mientras que en el siglo XX las eliminan, lo cual causa un gran impacto en el público. Los músicos comienzas a buscar sonidos nuevos, y se obsesionan con encontrar sonidos nunca escuchados antes, los cuales no podamos identificar con nada.
Este es un tema general que incluye varios otros: el impresionismo y el expresionismo, el dodecafonismo, la música utilitaria, el serialimo y el postserialimo.
El primero en romper con la tonalidad fue Shoenberg, reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas.
En el impresionismo las características principales fueron la libertad absoluta armónica y ritmicamente (respetando unos parámetros previamente fijados, pero manipulables en cualquier momento) y la experimentación fueron las dos características principales de este movimiento.
Stravinsky destaca en el impresionismo, un movimiento en el que se expresa la situación de cambio y en crisis, la realidad desde un punto subjetivo.
En la música utilitaria mencionamos a Hindemilh, considerado como uno de los compositores más influyentes de la primera mitad del siglo XX.
El serialismo es una técnica de composición musical surgida en el siglo XX. Tiene sus orígenes en el dodecafonismo de Arnold Schönberg, aunque abarca posibilidades creativas más amplias. Y por último, el postserialismo es la continuación de este movimiento.
Podemos destacar piezas como 'Preludio a la siesta de un fauno', de Debussy, o Bolero, de Ravel.
En la primera de ellas el compositor utiliza una libertad formal y puntos de referencia para que el que escucha su música no se pierda. La textura es una melodía acompañada que va a ir moviéndose entre los instrumentos de la orquesta, en los que predomina el viento.
La pieza de Ravel podemos detacar que empieza con percusión, algo completamente nuevo en la época. La percusión realiza un acompañamiento igual en toda la obra, sin variaciones.
Podemos destacar otra pieza de Bartók 'Música para cuerda, percusión y celesta. La celesta es un instrumento musical de percusión, con la apariencia de un pequeño piano vertical.
En esta obra la melodía se presenta y se va estructurando en varios bloques. La intensidad es uno de los parámetros más importantes, ya que va aumentando a lo largo de la obra, hasta que llega a su parte culminante. Además Bartók mezcla muchas texturas diferentes, algo típico en la música contemporánea.
viernes, 22 de mayo de 2015
Los nuevos instrumentos y la tecnología aplicada a la música.
A principios del siglo XX los músicos pedían un avance cualitativo, ya que consideraban necesario incorporar nuevos timbres a la planta orquestal.
Con el desarrollo de la electrónica el compositor pudo grabar, manipular y reproducir sonidos con fines compositivos. A mediados del siglo XX muchos compositores comenzaron a utilizar en sus obras sonidos y ruidos grabados del medio ambiente.
La aparición de aparatos como el sontetizador, marcaron toda una época en el desarrollo de esta música. Recientemente el ordenador ha supuesto una revolución en todos los aspectos. Todas estas técnicas permiten controlar con precisión las cualidades del sonido (duración, altura, intensidad y timbre)
Destaca la pieza 'Oktophonie', compuesta por Stockhausen (https://www.youtube.com/watch?v=ePBB-NO8vKg). La música de Oktophonie consta de ocho capas musicales, cada una provista de diferentes distribuciones espaciales y patrones de movimiento de sonido.
Karlheinz Stockhausen nació en Mödrath el veintidós de agosto de 1928 y murió en Kürten-Kettenberg el cinco de diciembre de 2007. Fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.
Es conocido por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en música electroacústica, música aleatoria y composición serial.
Con el desarrollo de la electrónica el compositor pudo grabar, manipular y reproducir sonidos con fines compositivos. A mediados del siglo XX muchos compositores comenzaron a utilizar en sus obras sonidos y ruidos grabados del medio ambiente.
La aparición de aparatos como el sontetizador, marcaron toda una época en el desarrollo de esta música. Recientemente el ordenador ha supuesto una revolución en todos los aspectos. Todas estas técnicas permiten controlar con precisión las cualidades del sonido (duración, altura, intensidad y timbre)
Destaca la pieza 'Oktophonie', compuesta por Stockhausen (https://www.youtube.com/watch?v=ePBB-NO8vKg). La música de Oktophonie consta de ocho capas musicales, cada una provista de diferentes distribuciones espaciales y patrones de movimiento de sonido.
Karlheinz Stockhausen nació en Mödrath el veintidós de agosto de 1928 y murió en Kürten-Kettenberg el cinco de diciembre de 2007. Fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.
Es conocido por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en música electroacústica, música aleatoria y composición serial.
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