Las cuatro estaciones (La Primavera), Vivaldi.

Vivaldi es el mejor representante de la música instrumental veneciana, siempre más colorista y sensual. Utiliza frecuentemente instrumentos de viento; pero incluso cuando compone solo para el violín y su familia (como es el caso de esta pieza, Las cuatro estaciones) lo hace de manera muy viva y refinada. Es un gran músico, algunos de cuyos conciertos para violín fueron adaptados por Bach para el clave o el órgano. Esta pieza fue escrita a mediados del siglo XVIII.

Las texturas que utiliza son la melodía acompañada y el bajo continuo; el clave es el instrumento que hace el bajo continuo. El instrumento solista es el violín, pero aparecen más instrumentos en la orquesta todos ellos de la familia de cuerda (violín, violonchelo y contrabajo)

La melodía es sencilla, repetitiva, sin grandes saltos y muy emotiva. El ritmo también es sencillo, con una célula rítmica sencilla. El compás es binario y la armonía tonal. Utiliza la forma musical concierto (los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza)

La pieza está dividida en dos movimientos, el primero rápido y el segundo muy lento.

Vivaldi acompañado de un violín:



Audio: https://www.youtube.com/watch?v=vI1-MrAR9WU

Comparación de versiones (Canarios, Gaspar Sanz)

La primera es una versión mucho más popular, con elementos añadidos como las castañuelas, las palmas, el cajón o el violonchelo; instrumentos que no están en la partitura y que el autor decide añadir por su cuenta. Hay una parte en la que se escuchan todos estos a la vez y más alto, lo que la hace más animada y divertida. Además, los instrumentistas aportan la sensación de estar disfrutando de la pieza.

En cambio, la segunda versión, tiene una apariencia mucho más seria y formal, además es tocada tan solo por el guitarrista, sin ninguna clase de acompañamiento y sin variaciones a lo largo de la pieza; se rige mucho a la partitura inicial. Mientras que el primero la toca en una sala, en esta segunda versión lo hace en una iglesia, intentando acercarse todo lo posible al sonido de la época, por lo que el sonido suena de manera diferente.

Primera versión (Enrike Solinís): https://www.youtube.com/watch?v=vgt4jVbd8SI
Segunda versión (Diogo Rodrigues): https://www.youtube.com/watch?v=BC7JNE8TdmY

Domenico Scarlatti: Essercizi nº 30 (Fuga en Sol menor)

Alessandro Scarlatti fue un célebre compositor italiano que jugó un papel fundamental en la historia de la música, principalmente en el desarrollo del lenguaje de la ópera. Domenico Scarlatti, su hijo, y el autor de esta pieza fue un compositor italiano de música barroca afincado en España, donde compuso casi todas sus sonatas para clavicémbalo, por las que es universalmente reconocido.

La fuga es una técnica de composición cuyos resultados formales no están fijados; cada fuga difiere de las demás en el orden de presentación de las voces, la longitud, y la disposición interna de sus elementos.

En esta pieza se utiliza el contrapunto imitativo. El tema se expone, se desarrolla, y se reexpone después. 

La pieza es interpretada por un clave,instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas. Este fue muy conocido y utilizado durante el Barroco, pero fue cayendo en el olvido y la mayoría de piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado de nuestro piano actual.

La melodía es muy repetitiva y pegadiza, y el ritmo va de sonidos muy largos a cada vez más cortos. La armonía es tonal y la forma musical sonata.

Domenico Scarlatti:

Clave barroco:

Audio: https://www.youtube.com/watch?v=6srQgO7XSnY

Gaspar Sanz: Canarios

Gaspar Sanz, autor de esta pieza, es un compositor y organista español. Publicó su ‘Insurrección de música sobre guitarra española’, compuesta por danzas cortesanas y populares, la mayoría muy típicamente españolas.

Esta pieza está interpretada por una guitarra barroca, La guitarra barroca es una guitarra de la época barroca, un antepasado de la guitarra clásica moderna.

El término también se utiliza para instrumentos modernos realizados en este estilo.El instrumento era más pequeño que una guitarra moderna, de una construcción más ligera, y empleaba cuerdas de tripa. Los trastes eran también generalmente de intestino, y se ataban alrededor del mango. Un instrumento típico tenía cinco órdenes, cada uno formado por dos cuerdas separadas, aunque el primer orden (de sonido más alto) era a menudo de una sola cuerda, dando un total de nueve o diez cuerdas.

La textura de esta pieza es melodía acompañada, aparece también un desarrollo de acordes a través de rasgueos con la mano derecha. La melodía es variada, y el ritmo típicamente español, ritmo que se mantiene actualmente en el flamenco. Estructura fija del ritmo, ritmo hemiolia. Hay dos pulsos en subdivisión ternaria y tres pulsos en subdivisión binaria al doble de velocidad. Alterna dos compases, 6/8 y 3/4. La armonía es tonal, está completamente desarrollada y la forma musical es canarios.

Gaspar Sanz:

Boca de la guitarra barroca:

Audios:

https://www.youtube.com/watch?v=vgt4jVbd8SI // https://www.youtube.com/watch?v=BC7JNE8TdmY

Haendel: Giulio Cesare, aria 'Empio, diró, ty sei!'

Haendel, autor de esta pieza, había nacido en Alemania en 1685; viajó mucho por su país, pero su formación se completó en Italia, donde se instala en 1706. Tras el éxito de sus primeras óperas viaja a Londres, donde se instala definitivamente en 1719. Funda una Academia Real de Música y triunfa plenamente con óperas italianas de espíritu, pero de rigor germánico.
Al alejarse del fácil italianismo que gusta al público, pasará grandes dificultades. La competencia con las óperas italianas le hará volcarse en el oratorio.
El oratorio de Haendel, escrito en inglés, suele ser una vasta epopeya en la que se narra con lenguaje grandioso y melodías elegantes la historia sagrada. Se intercalan grandes y solemnes trozos corales, y la orquesta incluye, sobre la base de los violines, todo tipo de instrumentos. 
Su obra se completa con numerosas composiciones instrumentales.
El estilo de Haendel es muy claro en su estructura y muy elegante y directo en su formulación. Como el público al que se dirige debe ser numeroso, debe utilizar un lenguaje sencillo pero al mismo tiempo grandioso, que domine el auditorio rápidamente. Su finalidad es impresionar y subyugar, y su gran mérito es haberlo conseguido sin dejar de ser un músico de altísima calidad.
Tras su muerte en 1759, la música inglesa como la de toda Europa, se encamina hacia un nuevo estilo, un nuevo clasicismo.

La letra de esta ópera está en italiano. La textura es melodía acompañada con bajo continuo. La orquesta es de cuerda, tiene mucho más papel y está mucho más desarrollada. La voz es femenina, interpretada por una mujer soprano.
La melodía es compleja, muy difícil de de cantar, muy adornada y con muchas secciones de lucimiento para que se luzca la cantante.
La armonía es tonal con desarrollo del bajo continuo, el ritmo muy rápido y dinámico y el compás cuaternario. La forma musical aria da capo.

Haendel:


Partitura:


Audio: https://www.youtube.com/watch?v=7efM7qZFJYI

Purcell: Dido and Aeneas.

Henry Purcell, autor de esta pieza, es el más grande compositor inglés de esta época y posiblemente de toda la música inglesa. Su carrera fue muy corta pero muy brillante. Fue organista de la Anadía de Westminster y músico de la corte. Como compositor abordó tofos los géneros: música religiosa, cantatas profanas y excelente música instrumental para el clave y otros instrumentos. Pero lo más interesante de Purcell es su música para la escena.
Sólo una de sus obras, su célebre ópera Dido y Eneas (1689), la que estamos analizando, es totalmente cantada. En Inglaterra, como en España, lo más frecuente era que alternaran las partes habladas con las que eran cantadas. La ópera totalmente cantada solo se impondría en los comienzos del siglo XVIII.
El estilo de Purcell es muy personal: enérgico, elegante, con una técnica perfectamente dominada al servicio de una expresión apasionada y fuerte.
Tras él, la música inglesa deja de tener importancia.

Hay una voz femenina solista, que probablemente en la época era interpretada por un contratenor. Esta voz interpreta a un personaje masculino. 
Es una melodía acompañada con bajo continuo. El acompañamiento es simple, sencillo, interpretado por instrumentos de cuerda, y la voz y el texto son lo más importante. 
La letra está en inglés, la melodía es apasionada, triste y con un ritmo muy lento. Utiliza intervalos descendentes para generar tristeza. La armonía es tonal y la forma musical una aria.

Purcell:


Cuadro del mito de Dido y Aeneas:


Audios:
https://www.youtube.com/watch?v=iTV6F3lTU7o
https://www.youtube.com/watch?v=jOIAi2XwuWo
https://www.youtube.com/watch?v=uGQq3HcOB0Y

Haendel: El Mesías (Alleluia)

Haendel había nacido en Alemania en 1685; viajó mucho por su país, pero su formación se completó en Italia, donde se instala en 1706. Tras el éxito de sus primeras óperas viaja a Londres, donde se instala definitivamente en 1719. Funda una Academia Real de Música y triunfa plenamente con óperas italianas de espíritu, pero de rigor germánico.
Al alejarse del fácil italianismo que gusta al público, pasará grandes dificultades. La competencia con las óperas italianas le hará volcarse en el oratorio.
El oratorio de Haendel, escrito en inglés, suele ser una vasta epopeya en la que se narra con lenguaje grandioso y melodías elegantes la historia sagrada. Se intercalan grandes y solemnes trozos corales, y la orquesta incluye, sobre la base de los violines, todo tipo de instrumentos. 
Su obra se completa con numerosas composiciones instrumentales.
El estilo de Haendel es muy claro en su estructura y muy elegante y directo en su formulación. Como el público al que se dirige debe ser numeroso, debe utilizar un lenguaje sencillo pero al mismo tiempo grandioso, que domine el auditorio rápidamente. Su finalidad es impresionar y subyugar, y su gran mérito es haberlo conseguido sin dejar de ser un músico de altísima calidad.
Tras su muerte en 1759, la música inglesa como la de toda Europa, se encamina hacia un nuevo estilo, un nuevo clasicismo.

Representación escénica para recaudar fondos, música muy atractiva para actos solemnes. Hay una voz solista, un contralto.
Hay polifonía pero todos cantando a la vez y lo mismo, melodía acompañada y contrapunto imitativo, combinación de texturas. Es una orquesta pequeña que acompaña al coro.

Haendel:


Partitura:


Audio: https://www.youtube.com/watch?v=KnQGs24U1e8

Concierto de Brandemburgo nº2.

Los antepasados de Bach fueron músicos, y sus hijos y nietos también.
En este ambiente familiar Bach aprende muy bien su oficio. Sin salir de Alemania, llega a conocer profundamente toda la música barroca, especialmente la italiana y la francesa.
Bach no fue un músico excesivamente famoso en su época, hasta casi un siglo después de su muerte no empezaría a ser conocido y admirado.
Su vida fue sencilla y practical. Su oficio fue principal fue el de organista. Como organista fue un gran virtuoso de los instrumentos de tecla, para los cuales compuso mucha música.
Para pequeña orquesta compuso muchos conciertos con instrumentos solistas, o sin ellos.
En toda esta música instrumental su estilo es de una gran síntesis. Por un lado florece la melodía acompañada con el bajo cifrado, pero al mismo tiempo, casi nunca está la melodía sola, sino que se mezcla con otras melodías en el viejo estilo contrapuntístico. Este contrapunto es frecuentemente imitativo.
Pero la mayor parte de la obra de Bach es vocal y de contenido religioso, para el servicio de la iglesia protestante.
Este grandioso conjunto de obras define a Bach como un gran poeta musical. El sentido de las frases del texto es reflejado en la música de manera extraordinaria, pero al mismo tiempo con todo el rigor de la técnica polifónica y contrapuntística. Por eso Bach, que no escribió óperas, es el resumen más perfecto de su época y una de las cimas de todo el arte musical.

En esta pieza encontramos melodía acompañada, contrapunto imitativo, partes homofónicas y bajo continuo elaborado por el clave, Bach juega con las texturas.
Es una orquesta barroca de cuerda en la que aparecen los siguientes instrumentos: violín, viola, violonchelo, contrabajo y clave. Los solistas son el violín, el oboe, la trompeta y la flauta dulce. Es una música que se tocaba en la corte.
La melodía es repetitiva, ágil, rápida, que se presenta, se desarrolla, y se vuelve a desarrollar. El compás es binario y la armonía tonal. Forma musical concierto.

Audio: https://www.youtube.com/watch?v=3HSRIDtwsfM

Partitura:

Concierto de Brandemburgo nº5.

Los antepasados de Bach fueron músicos, y sus hijos y nietos también.
En este ambiente familiar Bach aprende muy bien su oficio. Sin salir de Alemania, llega a conocer profundamente toda la música barroca, especialmente la italiana y la francesa.
Bach no fue un músico excesivamente famoso en su época, hasta casi un siglo después de su muerte no empezaría a ser conocido y admirado.
Su vida fue sencilla y practical. Su oficio fue principal fue el de organista. Como organista fue un gran virtuoso de los instrumentos de tecla, para los cuales compuso mucha música.
Para pequeña orquesta compuso muchos conciertos con instrumentos solistas, o sin ellos.
En toda esta música instrumental su estilo es de una gran síntesis. Por un lado florece la melodía acompañada con el bajo cifrado, pero al mismo tiempo, casi nunca está la melodía sola, sino que se mezcla con otras melodías en el viejo estilo contrapuntístico. Este contrapunto es frecuentemente imitativo.
Pero la mayor parte de la obra de Bach es vocal y de contenido religioso, para el servicio de la iglesia protestante.
Este grandioso conjunto de obras define a Bach como un gran poeta musical. El sentido de las frases del texto es reflejado en la música de manera extraordinaria, pero al mismo tiempo con todo el rigor de la técnica polifónica y contrapuntística. Por eso Bach, que no escribió óperas, es el resumen más perfecto de su época y una de las cimas de todo el arte musical.

Bajo continuo desarrollado, hecho por el clave (instrumento polifónico). Es una melodía acompañada. Es una orquesta de cuerda con clave y cuerda solista, en la que predominan el violín y la flauta travesera. 
La melodía es compleja, repetitiva y llena de adornos. El compás es binario, muy rápido, y la armonía tonal. Forma musical concierto (orquesta con solistas, en este caso dos)

Audio: https://www.youtube.com/watch?v=ZK6-x9sdEYo

Partitura:

Pasión según San Mateo.

Los antepasados de Bach fueron músicos, y sus hijos y nietos también.
En este ambiente familiar Bach aprende muy bien su oficio. Sin salir de Alemania, llega a conocer profundamente toda la música barroca, especialmente la italiana y la francesa.
Bach no fue un músico excesivamente famoso en su época, hasta casi un siglo después de su muerte no empezaría a ser conocido y admirado.
Su vida fue sencilla y practical. Su oficio fue principal fue el de organista. Como organista fue un gran virtuoso de los instrumentos de tecla, para los cuales compuso mucha música.
Para pequeña orquesta compuso muchos conciertos con instrumentos solistas, o sin ellos.
En toda esta música instrumental su estilo es de una gran síntesis. Por un lado florece la melodía acompañada con el bajo cifrado, pero al mismo tiempo, casi nunca está la melodía sola, sino que se mezcla con otras melodías en el viejo estilo contrapuntístico. Este contrapunto es frecuentemente imitativo.
Pero la mayor parte de la obra de Bach es vocal y de contenido religioso, para el servicio de la iglesia protestante.
Este grandioso conjunto de obras define a Bach como un gran poeta musical. El sentido de las frases del texto es reflejado en la música de manera extraordinaria, pero al mismo tiempo con todo el rigor de la técnica polifónica y contrapuntística. Por eso Bach, que no escribió óperas, es el resumen más perfecto de su época y una de las cimas de todo el arte musical.

·Primera parte: https://www.youtube.com/watch?v=KU1S32AQ3Uo
Melodía acompañada. Melodía principal hecha por un instrumento de viento madera, probablemente un oboe, que más adelante pasa a la flauta. El resto de la orquesta está haciendo un acompañamiento, es una orquesta con la presencia sobre todo del viento madera y la cuerda, sin percusión. En esta hay un instrumento muy grave marcando claramente los bajos. El coro tiene una textura polifónica y es mixto con voces blancas (hombres, mujeres y niños). 
El ritmo es lento y la melodía muy religiosa, limpia, clara, no adornada y sin grades saltos. El compás es ternario pero muy lento, y la armonía tonal. La forma musical es un oratorio con la temática de la pasión de San Mateo.
·Segunda parte: https://www.youtube.com/watch?v=VMb1jKzDGVs
Recuerda al bajo continuo pero es una melodía acompañada que sirve de introducción al contraalto de mujer. Predominan el violín y la voz del contraalto (parte solista)
La melodía es difícil de cantar y está poco adornada. El ritmo es muy lento y constante, marcado por el bajo de las cuerdas. La forma musical es un aria dentro del oratorio.

Juan Sebastián Bach:

Monteverdi: Orfeo ('Posente spirto': tercer acto)

Claudio Monteverdi, (1567-1643), al servicio de la pequeña corte de los Gonzaga en Mantua, estrena en 1607 su Orfeo. Polifonista genial, sobre todo en el  género del madrigal renacentista, que en él evoluciona hasta el nuevo lenguaje monódico, su ópera Orfeo es una obra maestra de transición. Se alternan los coros madrigalescos con la monodía recitativa. Nunca un género musical ha tenido tan rápidamente obras maestras de tanta altura.

La textura de esta pieza es la melodía acompañada. Podemos escuchar una especie de toccata inicial utilizada a modo de introducción. Los instrumentos utilizados son el archilaúd, el arpa, la viola da gamba, los violines y las flautas dulces. Después de esta introducción comienza una parte completamente diferente. Es una ópera interpretada por una voz femenina que narra el mito de Orfeo y Eurídice (el argumento de este mito puedes encontrarlo en una de las entradas anteriores a esta)

Claudio Monteverdi:


Cuadro que representa el mito de Orfeo y Eurídice:

Argumento de la ópera de Julio César.

ACTO I
Julio César y sus victoriosas tropas llegan a las orillas del Río Nilo tras derrotar a las fuerzas de Pompeyo. La segunda esposa de Pompeyo, Cornelia, ruega piedad para con su marido. César acepta, pero con la condición de que Pompeyo debe verlo en persona. Achille, líder del ejército egipcio, presenta a Cesár una cesta conteniendo la cabeza de Pompeyo como señal de amistad de Ptolomeo, quien dirige Egipto de manera conjunta con su hermana Cleopatra. Cornelia se desmaya. El asistente de César, Curio, se ofrece para vengar a Cornelia, esperando que de esa manera ella se enamore y se case con él. Cornelia rechaza la oferta con dolor, diciendo que otra muerte no disminuiría su sufrimiento. Sesto, hijo de Cornelia y Pompeyo jura que vengará la muerte de su padre. Achille le cuenta a Ptolomeo que César está furioso por la muerte de Pompeyo. Cleopatra (a disgusto) va a encontrarse con César a su campamento esperando que la apoye como única reina de Egipto. César se siente seducido por su belleza. César, Cornelia y Sesto van al palacio egipcio para encontrarse con Ptolomeo. Ptolomeo se siente fascinado por la belleza de Cornelia, pero ha prometido a Achille que él la poseería. Sesto intenta retar a Ptolomeo pero no tiene éxito. Cuando Cornelia rechaza a Achille, éste ordena a sus soldados arrestar a Sesto.

ACTO II
En el palacio de Cleopatra, la reina usa sus encantos para seducir a César. Canta oraciones sobre los dardos de Cupido y César queda deleitado. En el palacio de Ptolomeo, Achille insiste a Cornelia que lo acepte, pero ella lo vuelve a rechazar. Cuando él se va, Ptolomeo también intenta seducirla, pero es rechazado como el anterior. Sesto entra en el jardín del palacio, deseando luchar con Ptolomeo por haber matado a su padre. En el palacio de Cleopatra, César oye el sonido de enemigos aproximándose. Cleopatrarevela su identidad y pide a César que huya, pero él decide pelear. En el palacio de Ptolomeo, la lucha entre Ptolomeo y Sesto es interrumpida por el anuncio de Achille de que César, intentando huir de sus soldados ha muerto al saltar por una ventana. Achille pide de nuevo la mano de Cornelia en matrimonio, pero es dejado fuera de combate por Ptolomeo quien también insiste a Cornelia en su amor. Sesto se siente devastado e intenta suicidarse pero su madre lo evita. Entonces Sesto repite su promesa de matar a Ptolomeo.

ACTO III
Se escuchan sonidos de batalla entre las fuerzas de Ptolomeo y Cleopatra. Ptolomeo celebra su victoria sobre Cleopatra. César ha sobrevivido a su caída desde la ventana y reza por la seguridad de Cleopatra. Mientras busca a Ptolomeo, Sesto encuentra al herido Achille. Éste le da a Sesto un sello de autoridad que le permitirá comandar sus ejercitos tras su muerte. César aparece y le pide el sello al joven Sesto, y le promete que salvará tanto a Cornelia como a Cleopatra o que morirá en el intento. Cleopatra encuentra a César vivo y se emociona. Sesto encuentra a Ptolomeo en su palacio cortejando a su madre y lo mata. Los victoriosos César y Cleopatra entran en la ciudad de Alejandría y César proclama a Cleopatra como reina de Egipto y promete ayudar a su reino. Se declaran su amor y la gente aclama su felicidad y la llegada de la paz a Egipto.

Argumento de la ópera de Orfeo.

La ópera L’Orfeo se encuentra dividida en cinco actos y un prólogo:

PRÓLOGO
Un “espíritu de música” explica el poder de la música y específicamente el poder de Orfeo, cuya música es tan poderosa que es capaz de conmover a los dioses. 

ACTO I
Orfeo y Eurídice celebran su boda.

ACTO II

Orfeo recibe la terrible noticia de que Eurídice ha muerto; resuelve ir él mismo al mundo de los muertos para rescatarla. Canta un conmovedor recitativo sobre la fragilidad de la felicidad humana.

ACTO III

Esperanza acompaña a Orfeo hasta la entrada del Hades. Orfeo conoce a Caronte, la guardián del Hades, e intenta seducirlo con la belleza de su canto para que lo dejase entrar. Al principio no tiene éxito, luego intenta nuevamente utilizando su lira; Caronte cae pacíficamente dormido; Orfeo entra y desciende al Hades.

ACTO IV

Proserpina, la reina del Hades, es conmovida por la música de Orfeo, y persuade a Plutón, rey del Hades, para que deje ir a Eurídice. Plutón accede bajo una condición: que Orfeo no mire hacia atrás pues Eurídice lo seguirá detrás de él hacia la luz, y de vuelta a la vida. En un principio él se va con Eurídice siguiéndolo; sus dudas, sin embargo, lo llevan a mirar por sobre su hombro, y en ese momento Eurídice se desvanece como un fantasma ante sus ojos. Abatido, Orfeo regresa a la tierra.

ACTO V

Orfeo es consumido por el dolor, y Apolo, su padre, baja del cielo para llevarlo lejos, donde él pudiera contemplar la imagen de Eurídice para siempre en las estrellas.
 

Argumento de la ópera de Dido y Eneas.

La acción transcurre en Cartago, en una época mítica.

ACTO I

Palacio de Dido: Dido, reina de Cartago, se lamenta de su desgracia, convencida de que su amor no es correspondido. Belinda, su confidente, trata de animar a su reina. Su amor es Eneas, héroe huido de Troya, que ha recibido un mandato del dios Júpiter para fundar la nueva Troya. Decide interrumpir su viaje en barco y hacer escala en Cartago para cargar provisiones. Al ver a Dido, cautivado, le declara su amor. El acontecimiento es celebrado con gran júbilo por la prosperidad que promete la unión a ambos reinos.

ACTO II

·Escena I. Cueva de la hechicera: una hechicera y sus brujas conspiran para acabar con la unión de los dos amantes y provocar la caída de Cartago. Convocan a los espíritus y uno de ellos toma la apariencia de Mercurio para entregar a Eneas un falso mensaje de Júpiter: debe abandonar Cartago y retomar su misión inmediatamente.

·Escena II. Bosque: la corte disfruta de un encantador día de caza cuando, de repente, se desencadena una violenta tormenta que hace regresar a la ciudad a todos menos a Eneas, que recibe la visita del falso Mercurio, el mensajero.

Se entera de que esa misma noche debe partir para no enojar a Júpiter. Eneas acepta su misión, apesadumbrado, pero se lamenta por su amor por Dido, sin saber cómo explicarle su partida.

ACTO III
Naves en el puerto: los marineros de Eneas se preparan alegremente para partir, antes incluso de que Dido conozca la inminente marcha de Eneas.
Las brujas observan la escena encantadas de su maldad y prediciendo la próxima muerte de la reina Dido. Las brujas y los marineros bailan juntos.Palacio de Dido: Eneas intenta persuadir a Dido de que su intención no es abandonarla, tan grande es su amor, sino obedecer únicamente el mandato de los dioses. Dido, ofendida, insiste a Eneas de que cumpla con su destino y la abandone, pues ese es su deseo. Ella sabe que tras su partida sólo le queda la muerte. En su aria de despedida “When I am laid in earth”, la palabra “recuérdame” se repite una y otra vez. Sobre el cadáver de Dido aparece un coro de cupidos que se lamentan de tan desgraciado amor.

Toccata y fuga en re menor, Juan Sebastián Bach.

La fuga no es propiamente una forma musical, sino una técnica de composición cuyos resultados formales no están fijados; cada fuga difiere de las demás en el orden de presentación de las voces, la longitud y la disposición interna de sus elementos.
La verdadera característica de la fuga es la exposición de un tema en una sola voz, tema que inmediatamente es repetido casi literalmente por una segunda voz mientras la primera hace un contrapunto o 'contratema'. Si interviene una tercera voz, expone nuevamente el tema inicial y la segunda voz es la que ahora lleva el contratema, quedando la primera en condiciones de hacer un diseño libre.
Cuando todas las voces se han incorporado sucesivamente presentando el tema, finaliza la exposición.
El arte de la fuga fue llevado a una exasperante perfección por Juan Sebastián Bach, autor de ésta, siendo considerada posteriormente como una forma escolástica por la rigidez de sus planteamientos constructivos, que Bach explotó en todas sus posibilidades.

La pieza comienza con una toccata, que es una especie de introducción, su carácter es muy virtuoso y aparecen secciones con melodía acompañada. También podemos escuchar algunos adornos, notas pequeñas que se incorporan a notas más largas. 
Esta pieza fue escrita para órgano en algún momento entre 1703 y 1707.

Juan Sebastián Bach:



Partitura:



Audio: https://www.youtube.com/results?search_query=toccata+y+fuga+en+re+menor